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L’artiste britannique Calum Scott sera de passage à Paris au printemps 2024 pour un concert qui s’annonce déjà comme une soirée entre émotions et danses endiablées. Le talentueux musicien y retrouvera son public le 18 avril dans la mythique salle de l’Olympia. L’occasion de revenir sur sa dernière sortie en date, le puissant titre « Lighthouse », sa mélodie grandiose et ses montées lyriques à fleur de peau.

calum scott olympia parisTalent Made in UK

C’est grâce à l’émission Britain’s Got Talent que Calum Scott se fait connaître en 2015. Il ne faut pas longtemps au musicien pour dévoiler l’étendu de son talent sur un premier album solo : « Only Human » qui sort en 2018. Aidé par sa voix aussi grave qu’enivrante et sa capacité à créer des titres accrocheurs, le chanteur se place en tête des charts alors que ce  premier essai se transforme en disque d’or.  Les bangers s’y succèdent avec aisance alors que la production soignée vient à parfaire ses compositions hétéroclites.  De quoi se faire rapidement un public d’adeptes. D’autant plus que son tout premier single « Dancing on My Own » se fait connaître grâce à la BO de la série culte « Vampire Diaries » et son inoubliable triangle amoureux.   Rien à envier à Stefan et Damon, la musique offre aussi la vie éternelle et sur sa galette notre musicien convoque la douceur et la profondeur des deux frères vedettes du show. Un deuxième opus, « Bridges », sorti en 2022, confirme sa réputation. En sort 4 singles dont le premier et marquant » If You Ever Change Your Mind » reste dans les mémoires.

Un retour parisien pour les beaux jours

En 2023, Calum Scott s’était offert deux passages français. Le premier à l’Espace Julien A à Marseille, le second dans le cadre du Main Square festival d’Arras où il partageait l’affiche avec Maroon 5. Une belle réussite quand on sait qu’il faisait partie d’un groupe hommage à la formation, nommé Maroon 4 à ses premiers pas musicaux dans son East Riding of Yorkshire natal. Toujours est-il que la capitale venait à s’impatienter de le retrouver sur scène après une absence de 2 ans et un passage inoubliable au Trianon. Voilà qui est chose faite ! Les places pour le concert sont d’ores et déjà en vente ici. 

Néanmoins, pour celles et ceux qui ne les ont pas encore, Pop&Shot vous prépare une belle surprise ! Restez connectés dans les jours à venir 😉


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Dire que le concert de The 1975 en France était attendu de pied ferme reviendrait au doux euphémisme. Le groupe britannique mené par Matthew Healy se produisait le 12 juillet 2023 sur les planches de l’Olympia, salle dont le nom est toujours synonyme de grandeur grâce aux fantômes d’immenses performances passées. Plus qu’une simple prestation, c’est un moment d’adoration rare convoquant les états d’âmes du rock pour leur donner une bienveillance pop auquel il nous fut possible d’assister. On vous raconte.

The 1975 à l'Olympia - Crédit - Louis Comar
The 1975 à l’Olympia – Crédit – Louis Comar

attente ressentie … depuis 1975

A peine deux jours plus tôt, dans la même salle, le concert de l’année, de par son annonce surprise et son attente avait lieu. Lana Del Rey retrouvait en effet son public français, dix ans après son dernier passage le tout balancé seulement quinze jours plus tôt. La folie de la file d’attente en ligne, quelques 400 000 personnes cherchant à voir l’interprète de « Born to Die », avait défrayé les chroniques. Et si le public de Lana Del Rey lui voue un véritable culte, à raison, on ne pourrait dire assez de bien de son tout dernier album, il n’étaient pas les seuls en ce lundi soir, prêt à tout pour leur idole. Les adeptes de The 1975 campaient eux même déjà devant la salle pour se voir assurer le premier rang.

Les voilà donc qui s’élancent enfin pour voir le groupe sur scène. Un groupe à fans donc, de ceux qui déchaînent les passions et les yeux qui brillent, de ceux qui changent des vies. La foule est compacte, des panneaux s’y promènent alors que les balcons se lèvent fièrement dès que les toutes première notes viennent à retentir. « Love Me Tender » d’Elvis Presley ouvre le bal. L’amour tendre, il en est question côté audience. Ce n’est pas la seule comparaison qui pourrait être faite entre le King et Matthew Healy. L’un comme l’autre sait séduire un public qui lui confère une passion presque aussi amoureuse que musicale, l’un comme l’autre profite d’une aura qui sent le rock.

Le retour du roi

Aujourd’hui les shows se doivent d’être carrés, propres, les groupes sur lesquels on mise viennent avec leurs gros décors, jouent un set écrit et calculé minute par minute. Oubliez tout ça ce soir. Une estrade blanche accueille les musiciens de tournées, en dessous la formation de The 1975 avec en son centre, son lead singer qui mène la totalité du bateau. Sur le titre « Frail State Of Mind » , le musicien se confiait sur son anxiété. Elle est palpable dès qu’il entame ses premiers morceaux « Lookin for somebody (to love) », l’un de ses plus gros succès. Matthew ne lâche pas sa flasque, sauf pour la remplacer par une bouteille de rouge qui l’accompagne dans ses déambulations scéniques. Il enchaîne les cigarettes, et derrière ses angéliques boucles brunes, l’âme du rockeur à fleur de peau, d’une conception de la tournée d’une autre époque qui faisait rimer musique, liberté et excès. Dans le public, un panneau demande à partager une cigarette avec le musicien. Comme ce fut le cas du temps d’Elvis, des fleurs sont lancées sur la scène, un accessoire avec lequel notre chanteur n’hésitera pas à jouer. Il prend possession de son espace, se mouvant comme s’il flottait au dessus des planches, d’un bout à l’autre, avec quelques enjambés. Les gorgées sont bues entre chaque titre, parfois chaque couplet et pour autant Matthew Healy ne fait aucun faux pas. La justesse de son timbre clair fait mouche, il en est de même lorsqu’il se met derrière son clavier ou sa guitare et ses interludes acoustiques. On parle de flegme britannique, le frontman en est une belle incarnation, détaché mais précis, intimidé mais amusé, sensible mais professionnel. Le bouillon rock est effervescent, il convainc une assistance qui connait chaque mot de chaque titre et chante en choeur. Point de paresse, s’il laisse à son public le micro, ce n’est que pour quelques brèves secondes.

Cette âme rock, cette liberté, contraste avec la candeur lumineuse du répertoire de The 1975. Plutôt pop avec des percées dans le rock alternatif, les titres ont l’aisance d’entrer efficacement en tête. « Hapiness », « I’m in love with you », « A Change of heart », « About you » se succèdent. Lorsque le son s’arrête et après un temps d’avarice en dialogue, le public se met à chanter les célèbres « Who ho ho hoho ho » de « Seven nation army ». « C’est quoi ce merdier, s’étonne Maty, c’est les White Stripes ça! » le sourire aux lèvres comme décontenancé par la présence d’une entité public qui vibre comme un poumon géant happant l’oxygène que la musique sait lui donner. Les visages de ce poumon sont jeunes et rayonnant en écrasante majorité. Un couple se câline, des hanches ondulent ou dansent fièrement. « Guys », l’un des singles phares du groupe n’est interprété que dans son premier couplet, dommage d’autant plus qu’il a une véritable force tubesque de ceux qui pourraient avoir toujours traîné dans les oreilles et qui passent dans le répertoire collectif comme un précieux acquis. Il profite néanmoins d’un instant à la guitare acoustique pour le sublimer et il faut le dire tout est toujours si beau à la guitare acoustique. « I Always wanna die sometimes » le succède très rapidement. Les musiciens semblent composer avec les humeurs et envies d’un leader qui s’attire toutes les lumières. Quelques pas à la Jack Sparrow subliment son jeu de jambes félin. De ceux qui ont été appris par la force des choses. Il y a une certaine candeur derrière chaque mouvement, comme une découverte de la scène et son approche évidente, pour ceux qui par deux fois se font têtes d’affiches au festival Reading en Angleterre.

Une dernière inspiration

The 1975 à l'Olympia - Crédit - Louis Comar
The 1975 à l’Olympia – Crédit – Louis Comar

Le bal touche à sa fin, mais pas encore tout à fait. « Be My Mistake » résonne et comme c’est bien souvent le cas la formation promet un rapide retour dans la capitale française dans une plus grande salle, pour répondre à la forte demande qui lui ai faite. En Angleterre le groupe s’offre des stades, ici, il distingue encore pleinement les visages qui le scrutent. Encore quelques notes d’oxygène viennent emplir l’Olympia. « Love it if we made it », « Sex », « Give yourself a try » issus des précédents albums du combo servent de clôture à la soirée. Si le Hip Hop avait repris au rock ses pogos, il est bon de retrouver son attitude portée par des instruments et guitares. The 1975 a la grâce de ceux qui deviennent des idoles et dont les notes ensoleillées font échos aux températures extérieures, non sans laisser entrevoir une mélancolie à fleur de peau qui donne au tout la saveur du réel. Le poumon est oxygéné, il irriguera les corps des fans en souvenirs pour le reste de l’été.


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Paolo-Nutini_La-Cigale-Paris_2022
Crédit photo : Louis Comar

En ce frais lundi d’octobre c’est à la Cigale de Paris que nous nous rendons pour réchauffer nos mains fraichement bleuies et les souvenirs d’une époque pas si lointaine. En effet, règne sur la salle mythique un petit air de nostalgie aux abords des retrouvailles avec la coqueluche pop-rock/folk des années 2010: Paolo Nutini. Car après 8 ans d’absence, l’écossais pas si italien qu’il n’y parait annonçait son grand retour avec Last Night In The Bittersweet, un quatrième album tout en maturité. La tournée annoncée de coutume dans la foulée n’était pas pour nous déplaire, retour sur un beau moment de musique.

INNOVATIONS ET RENOUVEAU

À en observer l’âge moyen de l’audience, ce n’est pas se mouiller que d’affirmer que la plupart du public est ce soir présent pour raviver le goût de nutini qui manquait depuis trop d’années à sa douce oreille. Le dernier opus, bien que savamment composé et interprété, a tout de même peiné à conquérir les coeurs des fans, sûrement du fait de ses expérimentations musicales dénotant en partie du travail habituel du musicien. Et ce désir d’innovation se ressent particulièrement ce soir: de nombreux titres (« Candy », « Jenny Don’t Be Hasty », « Let Me Down Easy »…) sont joués dans des versions tout à fait différente de celles usuelles. Entre approches house et transformation quasi-totale de l’identité des morceaux, Nutini a nettement décidé de passer un cap dans son processus créatif. Au ban les ballades à trois accords, accompagné de ses talentueux musiciens, l’interprète se démène pour se ré-inventer. La démarche fonctionne plus ou moins bien, voire frustre sur certains « tubes » mais témoigne d’une croissance tout à fait louable, quoique encore perfectible. La Cigale semble toutefois conquis par ces nouveautés et en redemande.

« LAST NIGHT IN LA SWEET CIGALE« 

Mais ne vous faîtes pas de bile, Paolo, sa guitare acoustique et sa superbe voix sont toujours de la partie. La superbe section de morceaux acoustiques conquit notamment la salle parisienne et offre un moment de douceur et de communion par-delà les cieux. Comme à son habitude, l’artiste écossais est dévoué à son art et laisse la torpeur de l’instant musical pénétrer ses viscères et ses cordes vocales. Cette abnégation est contagieuse et s’incarne dans les réactions réjouies de l’audience, jusqu’à faire soulever tout le parterre de la Cigale. C’est un vrai moment de partage auquel il est donné d’assister ce soir. Nutini instaure une intimité précieuse chérie par chaque spectateur. D’une rare poésie.

Paolo-Nutini_La-Cigale-Paris_2022
Crédit photo : Louis Comar

NUTINI, COMME CHEZ LUI

C’est essentiellement le dernier effort du musicien qui est représenté ce soir au cours du set et il faut dire que l’écouter en live le rend plus accessible et appréciable. Chacun des nouveaux morceaux prend de l’ampleur et conquis un public pas forcément entièrement familier avec ces compositions. De toute manière la performance est accueillie à bras ouverts. Il suffit d’entendre le parterre donner de la voix sur « Iron Sky » pour saisir la force de cet engouement. Paolo Nutini est ici comme chez lui, le public parisien ne cesse de l’acclamer et de l’apostropher ; harangues auxquelles il n’hésite pas à répondre avec humour. Et c’est ainsi après 2h de show hors du temps que Paolo Nutini quitte la Cigale, sous les applaudissement d’un public entièrement séduit, conforté dans ses souvenirs plaisant d’un musicien sommes toute très talentueux.


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Il est de ces lundis que l’on arrive à surpasser uniquement dans l’attente d’un concert désiré le soir même. C’est encore plus vrai quand le lundi en question tombe le lendemain d’un jour férié dont le super pouvoir s’est vu considérablement étréci  à cause d’un agenda merdique cette année. Heureusement, le groupe américain LOW était à Paris pour entamer la semaine comme il se doit. A l’Alhambra près de République, ils ont livré un concert plein d’élégance et de frémissements.

Depuis leur dernier album en date, l’excellent HEY WHAT (2021) que l’on écoute régulièrement pour sa production coupée comme un rasoir et ses morceaux minimaloniriques (minimalistes et oniriques), LOW ne cesse de gagner du terrain dans notre cœur. 27 ans de carrière et plus de 15 albums à leur compteur. Cela nous a un peu échappé, même si leur nom nous a toujours été familier. Voilà pourquoi nous comptions rattraper notre retard avec ce concert parisien. LOW, c’est trois lettres, mais aussi trois personnes, dont un couple fondateur : Alan Sparhawk (chant, guitare) et Mimi Parker (batterie, chant). Avec eux, plusieurs bassistes se sont succédés. C’est aujourd’hui Liz Draper qui accompagne le couple. Leur rock alternatif sorti tout droit du Minnesota développe depuis 1994, année de leur premier album, un sentiment de contemplation auditive grâce à des morceaux lents, souvent étirés, et envoutants. La production, devenue plus rude et mécanique ces dernières années, ajoute une pincée de mystère à cette identité malléable dont la base reste toutefois solide, si ce n’est renforcée. Maitres du studio où leurs textures sonores gagnent toute leur puissance d’expression, qu’en est-il de LOW sur scène ? Aussi percutants ?

Low à l’Alhambra – Crédit : Léonard Pottier

 

(S)low : lenteur divine

C’est la caractéristique même de leur musique, d’être à l’inverse de toute précipitation. Alors bien évidemment que le concert ne sera pas d’une grande agitation dans le public. Non, LOW mise tout sur son hypnotisme. Toute personne présente est de mèche. On ne va pas voir ce groupe par hasard, sans savoir à quoi s’attendre. Nous voilà donc embarqués pour un voyage dense, de 2h environ, où l’apesanteur est reine. Le trio sur scène échappe à toute starification, mais semble davantage acclamé pour leurs créations, c’est-à-dire des morceaux à l’évidence folle. Ce soir-là, il y a dans l’enchainement de ces derniers une magie certaine. L’envoûtement est progressif, jusqu’à nous faire réaliser toute la cohérence d’une carrière dont l’humilité est proportionnelle à son étendue. Après 27 ans, LOW ne montre aucun signe de prétention. Il est presque encore un jeune groupe dans sa manière de faire. A quelques morceaux de la fin du concert, Alan Sparhawk ira même jusqu’à avouer avoir fait au moins une erreur sur chaque chansons jusque-là. Classe le type. Honnête révélation qui n’aura, on le rassure, pas été remarquée, à part peut-être par les grands fans au guet de chaque note. Et autant dire que les notes ont le temps d’être savourées dans leur profondeur, puisque, comme en studio, le rythme prête à la divagation spirituelle. Une lenteur toutefois pourvue d’accroches, symbolisées par la beauté saisissante de la majorité des morceaux. Plus d’une vingtaine seront joués, tout en douceur et en retenue, permettant au public de s’imprégner de chacune de leurs spécifiés, mais aussi de bien appréhender le mouvement global en perpétuelle construction. Prisonniers d’un délicat ensorcellement. Faut-il alors simplement rester les yeux fermés et se laisser porter ? Non. Puisque dans ce cas-là, on aurait opter pour l’écoute des albums à la maison. Si nous étions là, c’était aussi pour y trouver une certaine ampleur et envolée. De ce côté-là, faim non totalement rassasiée.

 

(B)low : souffle un peu maigre

Manque de tension et de précision. C’est ce qui nous vient d’abord, au-delà de la lenteur précédemment évoquée. La salle de l’Alhambra a du mal à décoller totalement ce lundi soir. Plusieurs raisons à cela. Premièrement un niveau sonore trop faible, qui ne fait pas honneur comme il se devrait au voyage musico sensuel proposé par LOW. Certains morceaux restent en retrait, sans parvenir à venir nous bousculer. Ça n’est heureusement pas le cas de tous, et on pourrait tout aussi bien rejeter le tort sur la construction particulière du concert, la première moitié étant consacrée à leur dernier album HEY WHAT joué dans l’ordre, puis la seconde moitié à un best-of de leur carrière. Bon. Pas sûr que ça soit la meilleure formule. Elle n’a en tout cas pas fait ses preuves ni chez Ty Segall au moment de son album First Taste, ni chez Patti Smith pour la reprise du mythique Horses il y a maintenant plusieurs années. LOW ne déroge pas à la règle : la première partie du concert manque de quelque chose, malgré certaines interprétations tout à fait remarquables, comme celle de « Hey » et du dernier morceau « The Price You Pay (It Must Be Wearing Off) ».

Il ne faudra d’ailleurs pas attendre plus tard que le morceau d’ouverture « White Horses », génial dans sa version studio, pour s’en rendre compte. Où est donc passée cette impression de lame tranchante fabriquée par la production si particulière et par le rythme hyper soutenu du morceau ? En concert, la guitare perd son effet électronique. En concert, le rythme est moins bien tenu. En concert « White Horses » abandonne la tension et la rigueur pour lesquelles il nous touchait tant. On retrouvera ce sentiment sur d’autres morceaux.

Low - White Horses

L’abandon du contraste entre ambiance en apesanteur et dureté sonore, comme il se manifeste sur les derniers albums studios, en est aussi la cause. Manque d’affirmation et d’ancrage dans le son… Pas tellement abrasif. Le souffle reste un souffle et ne se transforme jamais en bourrasque. On aime pourtant que nos rêveries soient parfois secouées. Il aurait fallu une meilleure tension d’ensemble. Tant pis, on se contentera de planer et de côtoyer la beauté. C’est déjà beaucoup.

 

(G)low : lueur constante

Sur scène, aucun chichi. L’éclairage est assuré par trois colonnes de néon disposés à l’horizontal derrière les musiciens. L’ombre les submerge. D’un peu loin, on ne discerne pas les visages mais simplement des silhouettes. L’ambiance sombre et minimaliste colle parfaitement à la musique, de quoi donner l’impression que le chant étiré du couple, comme dans un mouvement ralenti, est de source inconnue. Mystère maintenu. C’est particulièrement marquant sur les passages vocaux de Mimi Parker, beaucoup plus rares que ceux de son mari, leader au chant. Ces moments sont d’une extrême poésie, puisque la voix trop souvent absente atteint des sommets dès lors qu’elle décide de se manifester. On tomberait presque à la renverse. Le jeu d’ombre et de lumière vocal devient alors tout aussi fascinant que celui plus évident de l’éclairage.

Cette lueur de plus en plus élargie au fil du concert prend également appui sur la qualité sonore qui, malgré un niveau trop faible, réussit à être fidèle à l’identité sonore du couple. Cela se remarque davantage sur la deuxième partie best-of du concert, notamment sur les géniaux « Monkey » et « Plastic Cup ». LOW regagne là notre admiration. Le son a quand même la classe, surtout cette guitare à laquelle on aimerait s’accrocher indéfiniment, tant son rendu sonore est scotchant. Nous nous y pendrons finalement jusqu’à la dernière note. Et quand le moment vient de s’en aller,  il est difficile de se résigner à quitter cette ambiance magnétique… On ne manquera pas le rendez-vous du prochain album.


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