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Penelope Bonneau Rouis

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Le lundi 21 novembre 2022, Tamino jouait la première de ses deux dates au Trianon. Une première date d’une tournée européenne complète pour un artiste prodige sur lequel on ne se lasse pas d’écrire…

Le 14 Juin dernier, nous avions laissé Tamino dans la salle plus modeste du Café de la Danse. Ce soir, il est boulevard Rochechouart, dans la jolie salle du Trianon, avec ses moulures aux balcons, au plafond, et son velours rouge. La soirée s’annonce magique.

Il est 19h50 et la foule est déjà compacte. Certains essayent de se coller à la scène. Il y a une certaine électricité dans l’air, les gens discutent gaiement de leurs souvenirs de concerts (Tamino et pas Tamino).

Come along for the ride…

Mais avant d’enfin apercevoir le grand belge, un autre belge un peu plus petit – en taille uniquement – monte sur scène. Seul avec sa guitare, il chante un blues folk d’une belle voix grave et habitée. Call me your loverman, chante-t-il et c’est ce que nous faisons, car Loverman, c’est son nom de scène. Il alterne entre des morceaux acoustiques mélancoliques et des morceaux carrément possédés où il gesticule sur la scène, emporté par son art. Avec son look de pirate, il entraîne la foule qui se cambre comme une vague qui ferait tanguer son navire. Le public est médusé, conscient déjà d’assister aux débuts d’un grand artiste en devenir.

Au bout d’une demie heure tristement courte, son set touche à sa fin. Pour le dernier morceau, il demande à la foule de chanter ces quelques mots : Come along for the ride, sing a song tonight. Le public s’enflamme et Loverman descend finir le morceau dans la foule pour un moment de partage assez rare pour une première partie.

Les retrouvailles

À 21h, Tamino apparaît à son tour sur scène. Les cris d’admiration fusent, la Beatlemania nous parait bien pâle en comparaison. Il est, dans un premier temps, seul sur scène, un peu comme au Café de la Danse ou à la Cigale en 2019 pour les plus anciens. Oud à la main, il commence les premières notes de « A Drop Of Blood ». Le silence se fait quasi-instantanément. Les gens le regardent, admiratifs (on pourrait d’ailleurs se demander si certains ne le regarderaient pas plus qu’ils ne l’écouteraient). Le morceau se termine et son groupe le rejoint sur scène. Il les présentera plus tard dans son français un peu cassé, les qualifiant de « mecs ».  Le public hurlera de joie à l’évocation d’un terme aussi familier.

Les quelques premiers morceaux de la setlist sont des nouvelles compositions, présentes sur l’album Sahar, sorti en septembre dernier. Le public est excessivement silencieux, hypnotisé. Peut-être se sent-il intrusif face à ce grand brun qui entonne de sa belle voix, tantôt aiguë, tantôt grave, toujours profonde, ses maux et ses peines.

PHANTASMAGORIA IN TWO

Le troisième morceau n’est pas discernable tout de suite. Il commence avec une longue introduction, hantée et entêtante où Tamino fait des vocalises dont les échos se réverbèrent dans toute la salle. « The Flame ».

Les concerts de Tamino ont quelque chose d’assez méditatif. Chose rare. Comme mentionné précédemment, les gens sont silencieux et attentifs à ses concerts. C’est son moment, on l’écoute. Même si parfois, certains se pourfendent de « ON T’AIME GROS » ou dans un français plus correct : « Putain, c’est une expérience religieuse, re-li-gieuse ! » Et c’est vrai, il y a même une bonne sœur dans la salle.

On est trop chauds !

Cependant, une chose est sûre, à mesure que Tamino joue et se produit, il gagne en assurance. Là où il nous paraissait statique à l’Olympia ou à la Cigale en 2019, le voilà qui occupe l’espace, ondule, prend ses aises sur la scène du Trianon. Son français aussi s’affirme et il dira même d’un ton à peine hésitant : « Paris… Vous êtes trop…chauds…? » qui fera sauter de joie les plus bouillonnants.

Le public osera finalement l’accompagner une première fois sur « Tummy » puis sur « Indigo Night », ses morceaux phares, présents sur Amir. Peu après, le public se lâche et l’applaudit longuement. Le célébré rougit, main sur le cœur et peut-être une larme au coin de l’œil. Il voudrait parler, mais les applaudissements continuent de plus bel chaque fois qu’il essaye de se rapprocher du micro. Au bout d’une bonne minute où nos mains sont rouges à force de s’entrechoquer, il reprend la parole. Il considère cette ouverture de tournée formidable et nous précise qu’il repasse à Paris en Mars… au Zénith de la Villette cette fois. « C’est complètement fou » qu’il dira, à bout de souffle.

Un final d’une grande émotion 

Lors du rappel, il chantera « Cigar » puis « Only Our Love » qui finiront d’achever certains qui s’écrieront « J’ai tellement pleuré que j’en ai perdu mes faux-cils!! »

Tamino quittera la scène avec une discrétion et une élégance qui lui sont propre. À tous ceux (et il y en a beaucoup) qui n’ont pu assister à l’un des concerts du Trianon, je le rappelle, Tamino repasse au Zénith de Paris le 24 mars prochain.


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Lemonriver – Lynda (2022)

Le 4 novembre dernier, le groupe Lynda a sorti son EP Lemonriver. Sur fond de synthpop et de dream pop, le groupe offre une musique acidulée aux tonalités à la fois sombres et colorées. La veille, le groupe s’était produit sur la scène du 1999. 

C’est en 2017 au Sud de Londres que Lynda se forme. Composé de Russ Harley et de Youcef Khelil, le duo a déjà sorti une compilation de chansons depuis sa création, Lynda Tapes (2021).

Avec ce nouvel EP, Lemonriver, Lynda atteint finalement le point culminant de leur projet. Il s’agit de leur premier véritable EP, et composé avec le producteur Alan Braxe. L’univers un peu psychédélique (il n’y a qu’à voir la pochette!) se déploie progressivement sur chacun des morceaux. Notamment sur la chanson-titre dont l’instrumental invite presque à un voyage spatial.

Sur scène, Lynda exploite tout son potentiel. Lunettes noires sur le bout du nez, costume un peu oversize et baskets aux pieds, hanté par la musique, le groupe communie avec un public enthousiaste et manifestement connaisseur. Sur la scène du 1999, le duo s’exprime en anglais, principalement Youcef qui se présente un peu en frontman comique tandis que Russ est plus en retrait et concentré sur son synthé. Un peu les Men in Black de la Synthpop…

Ainsi, Lynda commence doucement mais sûrement à se faire une place sur la scène de la synthpop française. Avec leur univers un peu rétro-futuriste, le duo n’a pas fini de nous surprendre. Et on a un peu hâte de voir ça.


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Queen par Mick Rock dans les années 70

Si aujourd’hui, l’évocation des Dieux du Stade nous fait rougir, il ne faut pas oublier les Dieux du Stade originels. Car avant les sportifs sexys et (à moitié) à poil, il y avait les chanteurs sexys et à moitié à poil aux chansons unificatrices telles que We Are The Champions ou We Will Rock You. Seulement voilà, Queen ce n’est pas seulement du rock de stade, à crier aux matchs de foot et en fin de soirée. C’est aussi tout un univers merveilleux, symbolique, de conte de fée. 

UN GROUPE de conte de fée

Si la forme moustachue du chanteur, Freddie Mercury, semble être de loin la plus mythique de toutes ses formes, ce n’est certainement pas l’unique. En effet, avant d’avoir le look de Thomas Magnum (sans les yeux bleus), Freddie Mercury était conteur d’histoires et de récits plus fantastiques les uns que les autres. Non pas dans des livres mais bel et bien dans ses chansons. Pour cela, retournons un peu en arrière. 

Queen – 1973

1973. Le premier album éponyme d’un groupe encore obscur sort. Queen. S’il passe relativement inaperçu auprès du public, il signe quand même le début assez flamboyant d’un quatuor d’exception. Sur ce premier opus, de nombreuses influences s’entremêlent, peut-être un peu trop : autant de glam-rock (My Fairy King), que des bribes de heavy-metal (Keep Yourself Alive), mais encore des thèmes plus mystiques avec par exemple Jesus Christ écrite par Freddie Mercury lui-même qui n’est pas spécialement de confession chrétienne. Mais on verra ça un peu plus tard. 

Un univers imaginaire peuplé

Mais ce sera véritablement à partir du deuxième album que la magie du groupe commencera à se déployer. Nommé très sobrement Queen II, on y trouve des chansons comme The Ogre Battle où il est question d’une sorte de bataille fantastique et hyperbolique entre des ogres sur fond de riffs de guitares particulièrement énergiques. L’album progresse comme une seule mélopée sans fin où chaque chanson se poursuit sur celle d’après. Il y est question d’ogres, de fées et de divinités, de reine blanche et de reine noire.  

Queen II – 1974

L’univers des débuts de Queen semble être peuplé de créatures et de personnages tous plus excentriques les uns que les autres : si ce n’est pas l’ogre de Queen II, ce sera la Killer Queen, call-girl de luxe se gavant de caviar et de Moët et Chandon ou le Fairy King régnant sur le fameux royaume de Rhye. 

S’il m’est impossible de savoir aujourd’hui si Freddie Mercury était un fan de Tolkien, force est de constater l’univers qu’il a su créer au sein de ses chansons : le royaume de Rhye, lieu merveilleux et utopique créé dans son enfance et plus facilement identifiable dans la chanson Seven Seas of Rhye, qui apparaît notamment dans My Fairy King : « In the land where horses born with eagle wings / And honey bees have lost their stings » , The March of The Black Queen ou encore Lily of the Valley : « Messenger from Seven Seas has flown / To tell the king of Rhye he’s lost his throne » 

Ce royaume est à l’image des thèmes abordés par le groupe : nature envahissante et créatures merveilleuses… À mesure que la carrière et la popularité du groupe explosent, le royaume de Rhye semble se détériorer peu à peu, disparaître. Serait-ce là le signe de la perte de son innocence ou de sa candeur ? 

une inspiration plus lointaine qu’elle n’y paraît

Ce goût prononcé pour le mysticisme et les pays lointains dans leurs textes vient très certainement des origines de Freddie Mercury. En effet, de son vrai nom Farrokh Bulsara, Freddie Mercury est né à Zanzibar, de parents membres de la communauté Parsì et de confession zoroastrienne. Première religion monothéiste de l’Histoire et apparue au IIème millénaire avant Jésus-Christ, elle prêche des valeurs pacifistes et de libre-arbitre de l’individu en centrant ses croyances autour d’un dieu unique Ahura Mazda. Mais on s’égare. Brève aparté pour souligner que l’éducation spirituelle de Freddie Mercury a probablement joué un rôle plus essentiel qu’on ne le pense dans la créativité du jeune musicien. Car, les paroles de leurs chansons ne sont pas les seuls éléments à regorger de symbolisme.  

En effet, Freddie Mercury doit son nom de scène -sans surprise- à Mercure, la planète associé à son signe astrologique – vierge – et d’une phrase de la chanson My Fairy King : « Mother Mercury, look what they’ve done to me. » Mais avant d’être une mère ou une planète, Mercure est avant tout un dieu, et pas n’importe lequel, le dieu messager. Y avait-il là une portée symbolique supplémentaire ? De plus, en anglais, « a mercurial personality » est une personnalité aux aspects changeants et imprévisibles. Chose qui est, en soit, tout le fond de commerce de Freddie Mercury dont le penchant pour l’excès le perdra, quelques années plus tard. 

Queen – I Want To Break Free
Vaslav Nijinski pendant une représentation de L’Après-Midi d’un Faune, 1912

Outrageusement symbolistes

Chaque groupe a sa signature. Les Stones et leur grande bouche, les Red Hot et leur astérisque, Fleetwood Mac et leurs affaires de tromperie. Mais pour Queen, tant de symboles nous viennent en tête : la Couronne, ce Q royal -sans mauvais jeu de mot- les tenues affriolantes de Freddie Mercury… Mais également leur logo particulièrement ornementé, qui tient plus du blason que d’un simple logo. Sur ce blason, dessiné par Freddie Mercury lui-même, se trouve en fait les signes astrologiques de chaque membre du groupe : un crabe pour Brian May, deux lions pour Roger Taylor et John Deacon et deux vierges pour Freddie Mercury. Deux soit par ego, soit par symétrie, je n’ai pas su déterminer. Cette assemblée de créatures solaires est présidée par un phoenix aux ailes déployées. 

De plus, si beaucoup se souviennent du clip de I Want to Break Free, pour leur travestissement, il est important de mentionner la seconde séquence du clip où Freddie Mercury en lycra et sans moustache campe le personnage de Vaslav Nijinski dans son propre ballet L’Après-Midi d’un Faune. Cette séquence nous apparaît comme un rêve éveillé, une entracte contradictoire où une théâtralité s’installe avant que la vie normale ne reprenne sa place lorsque Freddie Mercury de nouveau en desperate housewife entonne « But life still goes on ». 

Sur le même album, The Works, un second clip vient rappeler cet univers théâtral et décadent. It’s a Hard Life. Les premières notes, « I don’t want my freedom, there’s no reason for living with a broken heart«  sont directement inspirées d’un opéra italien, Pagliacci (1892) de Ruggero Leoncavallo et notamment chanté par Luciano Pavarotti. C’est d’ailleurs autour de cet univers que tourne l’esthétique du clip. Freddie Mercury y apparait en sorte de crevette géante dans une assemblée aussi extravagante qu’adorante de ses moindres faits et gestes. Les autres membres du groupes sont plus en retrait, apparaissent discrètement, dissimulés par cette foule et un chanteur peut-être trop envahissant de par son excentricité.

Innuendo, ou l’apothéose

Si un peu plus tôt dans l’article, je mentionnais la disparition (pour ne pas dire destruction) progressive du royaume de Rhye, je constate avec Innuendo (1991) que sa disparition ne fut que partielle et que quelque part dans l’esprit de Freddie Mercury , ce royaume existait encore. En effet, des inspirations lointaines apparaissent subrepticement dans la plus symbolique et tristement optimistes des chansons du groupe, The Show Must Go On. Là où My Fairy King disait : « Someone , someone / Has drained the colours from my wings / Broken my fairy circle ring » The Show Must Go On dit : « My soul is painted like the wings of butterflies / Fairy tales of yesterday, grow but never die / I can fly, my friends » 

Innuendo – 1991

De plus, le morceau I’m Going Slightly Mad et son clip semble être le dernier effort un peu mystique, un peu surréaliste, un peu comique du groupe. Il parle de lui-même :

Enfin, le morceau These Are The Days Of Our Lives, est une ode mélancolique et nostalgique à leur jeunesse. Celle que le groupe, dont le chanteur s’essouffle, vient à regretter. Là où Mercure après avoir transmis son ultime message s’en va rejoindre les étoiles.

PS : cet article fut majoritairement écrit en écoutant les Bee Gees. 


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Wild Men – Thomas Daneskov

En salles le 24 août prochain, Wild Men est une comédie tantôt cynique tantôt touchante de cette fin d’été. Deuxième long-métrage du réalisateur danois Thomas Daneskov, Wild Men nous ramène à l’Âge de Pierre et des trafiquants de drogue. 

Wild Men : De quoi ça parle ?

Terrassé par une crise de la quarantaine particulièrement brutale, Martin (Rasmus Bjerg), marié et père de famille, a une idée plutôt singulière pour la combattre : vivre comme à l’époque des Chasseurs-Cueilleurs, loin de toute technologie, seul dans la forêt norvégienne. Si déjà, cette thématique vous parait assez charnue, imaginez qu’au même moment, un trafiquant de drogue, Musa, (Zaki Youssef), victime d’un accident de voiture se retrouve dans la même forêt à se cacher de ses comparses et de la police. Amitié insolite, courses poursuites, dialogues savoureux et crises existentielles parsèment donc cette petite perle du cinéma danois qu’est Wild Men.

Est-ce que c’est bien?

L’affiche du film est claire, Wild Men  serait un mélange entre Fargo des frères Coen et un The Revenant qui ne se prendrait pas au sérieux. À première vue, sans avoir visionné le film (ou même The Revenant), ça fait plus sourire qu’autre chose. En réalité, c’est un peu plus compliqué que ça. S’il y a bel et bien toutes les clés du buddy movie type et un désir de retour aux temps anciens (entre l’Âge de Pierre et le temps des Vikings, ce n’est pas toujours bien déterminé), il y a quelque chose de bien plus profond qu’un simple mélange des genres audacieux. Car cette comédie décalée est également teintée d’une certaine mélancolie. Dans Wild Men, Thomas Daneskov offre un regard ironique et parfois cynique sur la crise de la quarantaine d’un homme incapable d’exprimer ses émotions. Plutôt que de parler, il se réfugie dans un mutisme et une solitude qu’il pense indissociables de sa liberté et de son bien-être.

Dans ce film, Daneskov allie avec brio la comédie et le thriller. La qualité des dialogues un tantinet pince-sans-rire est à saluer.  Ses personnages sont aussi drôles que vulnérables : du policier endeuillé au « chef viking » qui accepte l’American Express et roule en voiture électrique. Chaque personnage apporte sa pierre à l’édifice dans cette comédie émouvante et singulière.

Ainsi, Wild Men, ce film à la croisée des genres sort en salles le 24 août 2022. Si vous êtes en manque de cavale, de Vikings et de survivalisme, rendez vous dans votre cinéma de quartier… en voiture électrique.

 


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