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Julia Escudero

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SomElse

SomElse - Kech

Le 16 juillet 2021, SomElse pour “Being someone else” publiait à pas de velours leur premier EP “Flowers for my Return”. Pour mieux rentrer dans l’univers poétique du groupe, trois singles avaient déjà été dévoilés.  C’est une expérience sensorielle qui accueille la découverte de ce combo à fleur de peau. Avec douceur, ce dernier distille des accords Indie folk, des notes qui massent les esprits et sont portées par une voix envoûtante. A travers chacun de ses titres, le quatuor invite à l’introspection et crée une beauté transportante qui sait parler au coeur. Derrière ces compositions à l’écriture léchée, se cache Frédéric guitariste et chanteur, titulaire d’un Master en Sciences cognitives dans son autre vie.  Pour le seconder, il s’entoure de Matthieu (violoncelliste), William (qui signe également les textes) et Florent (batterie). Pour porter leur musique à l’image, les compères dévoilaient en guise de présentation, trois courts-métrages et habillaient ainsi leurs titres sensibles de plus belles parures. Chacun d’entre eux est un véritable instant de grâce, aussi doux qu’aérien, une invitation au voyage intérieur, au calme et la volupté. A écouter pour mieux s’écouter et être au plus proche de soi-même.

Servo

SERVO - II

Le rock puissant, guttural, euphorisant, enivrant est bel et bien de retour en France. Si cette dernière est promise à une air hip hop et à un retour du rap aux paroles qui laissent à désirer (coucou Leto, Lefa et les autres), quelques irréductibles font vibrer avec force les notes de guitares les plus sombres et redonnent le pouvoir aux instruments, aux vrais et non aux beats pré-enregistrés. Si cette vague obscure et galvanisante peut se retrouver partout, la Normandie semble être le joli fief d’un débarquement sans concession où les notes acides libèrent les esprits. La preuve en est encore une fois donnée avec Servo et leur rock psychédélique tout juste hallucinant. Chaque note suintante de ce combo à la voix grave et profonde appelle au trip  hallucinogène. La sincérité dégouline des riffs endiablés et saturés qui peuplent leurs morceaux et se renouvellent à l’infini. Servo invite à une boucle temporelle endiablée, frénétiquement divine où la maîtrise pourrait passer pour de l’improvisation réussie. L’occasion de mettre son cerveau sur off en touchant à la plus belle des drogues : la musique vive qui tape très fort.

Fernie

Fernie - All My Wishes

La francophonie sait manier les notes, c’est vrai en France et tout aussi vrai chez nos voisins de Montréal. Fernie en digne représentant d’une scène immensément riche,  façonne ses compositions telles de la pâte à modeler et mélange les genres pour mieux créer son univers. Cet artiste brésilo-canadien convoque ses racines pour créer des mélodies où mélancolies et années 90 cohabitent. Si les références sont là et qu’il serait aisé de comparer ses riffs à sa source d’inspiration Frank Océan, le musicien dévoile son univers propre avec une sensibilité à fleur de peau. Portée par une voix douce, profonde, complexe et marquante, le chanteur se met à nu et offre un univers musical sensible et inclusif. Son premier album “Aurora” sortira le 24 septembre et promet d’être emprunt d’espoir. Un nouveau jour qui permettra de laisser le passé loin derrière et de se tourner vers un avenir qu’on lui souhaite aussi radieux que ses titres.

The Freaky Buds

The Freaky Buds - She's Made Of Fire

Formés à Nantes en 2018, les Franky Buds semblent tout droit sortis d’un club de Memphis. Les quatre amis servent en effet un blues calibré, référencé et divinement composé. Les rythmiques folles et marécageuses qui peuplent leur tout premier album “Soulful Rock’in Blues” sont la parfaite mixologie entre rock et blues. Avec une voix caverneuse et profonde, des guitares maîtrisées, des refrains qui s’envolent, ce premier jet s’avère être un gage de qualité bouleversant. Apre et subtile comme un grand whisky, il transporte l’auditeur dans le Sud américain à travers ses dix titres endiablés. Il faut dire que tout comme l’alcool, le projet aura pris le temps de maturer pour se bonifier. Il aura fallu trois ans à la formation pour enregistrer cette pépite qui ne connait pas de fausse note. C’est finalement au Garage Hermétique avec l’aide de Louis Marin (Her) que cet opus aussi groovie qu’obscure voit le jour. Difficile de ne pas penser en l’écoutant à l’âme de The Black Keys, Royal Blood ou R.L Burnside invoqués par quelques incantations vaudous. Solos et harmocina viennent parfaire ce tableau au contours joliment dessinés où la danse se conjugue à l’infini et rime avec juke joint et envoûtement. A écouter dès le 17 septembre.

Telegraph

Telegraph - Time to Come Home

L’été 2021 restera dans les mémoires pour avoir trimballé son lot d’incertitudes mais aussi de bonnes surprises. Le retour de Telegraph fait évidemment partie des très bons moments de cette étrange année. Le groupe avait en effet su séduire le public et la rédac avec son excellent premier jet “Simple Drive”, condensé pop rock à la sauce américaine et aux riffs entraînants. De retour le 18 juin avec un nouvel EP “From Cages with Love”, la formation a, comme son nom l’indique, composé et enregistré ce joli bijou durant la période des confinements sans fin qu’on a tous subit. Si l’enfermement a pu pousser certains dans des retranchements mélancoliques, c’était sans compter la très belle fougue solaire de Telegraph. Loin des murs que l’on a bien trop eu le temps de regarder, le groupe invite a un voyage lumineux sans portes et sans frontières au court de trois titres revigorant qui insufflent vie et espoir. “Late June”, premier morceau de cette galette enregistré en duo avec la chanteuse canadienne Sierra Lundy est le temps calme de ce jet. Pourtant conçu comme un hymne, avec une véritable maîtrise pop et une production soignée, il enivre et invoque la Californie et ses rêves. Ce nouvel EP est sans nul doute le compagnon idéal de votre été, pour parfaire vos road trip endiablés et pour le déguster comme une bonne bière fraîche les pieds dans le sable.


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l'imperatrice 2021 la cigale
Baptiste de la Barre

Qu’il est bon de se retrouver ! Cette phrase brandie comme un slogan publicitaire, on l’entend tellement et pourtant cette fois-ci elle sonne si juste. Et elle sera d’ailleurs certainement le mantra du concert de L’Impératrice ce 13 juillet à la Cigale de Paris. Avant que le temps ne soit bon, il a d’abord été aux doutes. Le concert pourrait-il simplement se tenir après des mois de reports et d’annulations ? Pour maximiser leurs chances Flore Benguigui et ses acolytes proposaient à leur public de plus en plus nombreux de profiter de deux sessions de concerts avec un public divisé en deux petites jauges, assis qui plus est. La version Covid des concerts en somme. Et puis finalement, pas de syndrome du coeur brisé cette fois-ci, la bonne étoile de groupe est apparu dans les temps. Topo, c’est finalement debout, sans masque, et en jauge presque complète qu’a pu se tenir ce concert tout en émotions.

Sincérité et émotions

C’est d’ailleurs pour présenter sa nouvelle galette, le très réussi “Tako Tsubo” que la formation vêtue de pastel avait donné rendez-vous à son public. Hasard de la vie, c’était dans cette même salle parisienne que le groupe avait joué son dernier live juste avant la fin du Monde dans une atmosphère bien plus candide que les étouffantes années 2020 et 2021.  Seulement voilà, une fois le groupe de retour sur scène, difficile pour lui d’oublier les mois passés. Alors c’est avec les larmes aux yeux et un sourire aussi touchant que communicatif aux lèvres que Flore lance les festivités. Loin d’être un simple live, les concerts de L’Impératrice tiennent de l’expérience. Côté foule, danse, tenues de soirées pailletées et  bonne humeur sont de rigueur. C’est sur “Anomalie Bleue”, issu du dernier album que démarre le set. Le ton est donné, la fête peut commencer. Certains artistes jouent parfois dans leurs coins, concentrant leurs efforts et leurs effets sur une mise en scène minutieuse et un soin de l’instrument. Ici, tout est une question de générosité et de partage. La bonne entente des membres du groupe est aussi palpable que la forte émotion distillée. Vient le tour de “Fou” qui parle de la peur de danser en public. Il faut lâcher prise semble suggérer le combo et ça tombe bien, la folie se partage, elle est contagieuse. La musique tisse un lien invisible et unie les âmes, alors les corps se déhanchent, sans honte. Chaque titre est suivi de son lot d’applaudissements fournis, de cris de joie. Cette joie elle se lit dans les yeux d’une chanteuse aux cheveux bleus et de musiciens, qui semblent à chaque minute s’étonner du chemin parcouru et des frissons communiqués. “Vacances”, “Erreur 404” ou encore “Matahari” issu du précédent album se succèdent.

L’été dans les notes

Vient ensuite le temps d'”Agitation tropicale” single culte du groupe qui monte encore la température d’un cran. Le mot tropicale colle bien à l’univers solaire de la formation. Ses riffs sentent bon l’été, le sable chaud et les amours qui s’y créent. Tout le monde est beau dans une foule en osmose. Leurs morceaux, les musiciens ont à coeur de les expliquer. C’est ainsi que “Peur des filles” qui parle de la perception du message féministe actuel est raconté tout comme “L’Equilibriste” qui lui parle du fait que pour obtenir le succès, il serait peut-être plus simple d’être un rappeur. Un propos qui fait sens quand on sait à quel point l’industrie aime à faire tourner des projets qui se jouent en solo. Ce qui semble évident pour certains ne l’est d’ailleurs pas pour d’autres : le public est conquis par le groupe pourtant composé de six musiciens. Ce nouvel album, confiaient-ils à Bourges a la particularité d’être pluriel. Chaque titre peut être pris séparément et proposer son ambiance et son lot de surprises. Cette ambition, elle s’avère aussi vraie sur scène.

La passé n’est pas oublié, lorsque la formation interprète “Submarine”, elle raconte comment il a été écrit à distance pendant le premier confinement. Un souvenir difficile que toute l’assistance semble repousser loin dans les notes de musique. Le soleil, il se partage et ne se vit pas isolé. Le célèbre “Vodoo” ne manque pas non plus à l’appel. Dans les gradins, le public s’est levé, l’humeur est bonne enfant, personne ne souhaite s’arrêter. Pourtant toutes les bonnes choses ont une fin, et comme le veut la tradition le groupe quitte la salle pour mieux être rappelé. L’Impératrice, avant, était uniquement composé de musiciens, leur chanteuse les ayant rejoint tardivement. C’est pour rendre hommages aux cinq hommes du groupes, tous excellents derrière leurs instruments qu’est interprété “Sonate Pacifique”, un titre datant de 2014. Cette fois-ci aucune parole n’est scandée. Les instruments se tordent et se déchaînent, le titre s’étire et rayonne à l’infini en des boucles somptueuses. La Cigale devient une boite de nuit géante, de celles que l’on trouve en bord de mer. Si on peut entendre les bruits des vagues dans des coquillages existent-ils aussi dans la capitale derrière des accords de guitare ?

Une chose est certaine, le public ne veut pas que le moment se termine, les cris et applaudissements ne trouvent pas de fin une fois les dernières notes jouées. Sur scène, les sourires béas et les larmes à peine retenues se font l’échos de ce moment si fort. Il faut pourtant partir pour promettre de mieux se retrouver au Zénith dans quelques mois. Dehors, il pleut à grosses gouttes alors que ce mois de juillet n’a pas plus belle allure que l’année écoulée. Dedans, il était si simple de tout oublier que les coeurs en sortent réparés.


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Emily Loizeau – “Renversé”

On ne présente plus la douce Emily Loizeau et ses compositions aériennes. Le 17 septembre, la musicienne sera de retour avec un  tout nouvel opus intitulé “Icare”.  Comme beaucoup d’albums en 2021, ce nouveau jet n’échappe pas à la règle et a été composé pendant le confinement et enregistré en quarantaine à Londres. Gage d’une qualité indiscutable que l’on connait à la chanteuse, il a été réalisé par John Parish connu notamment pour avoir travaillé avec PJ Harvey, Tracy Chapman ou encore Eels. Pour présenter cette galette, Emily Loizeau revient avec premier extrait “Renversé” et son clip où candeur et vie sauvage font bon ménage. Dans ce titre la chanteuse s’adresse aux  générations qui ont le pouvoir et leur demande de changer la donne pour laisser émerger un monde libre où beauté serait mot d’ordre. La beauté c’est d’ailleurs l’élément majeur qui se dégage toujours des compostions de cette musicienne accomplie. Son univers aérien allie douceur d’une voix à compositions instrumentales soignées. “Renversé” n’échappe pas à la règle et crée sous forme de comptine enivrante une épopée onirique. Le mois de septembre n’arrivera jamais assez vite.

 

Beach SCVM – Holiday

Si l’été débute sur une France déconfinée et à nouveau follement libérée, il se termine pour la troupe de Beach SCVM. La joyeuse formation profite de son “Holiday” pour parler de la fin des amours et amitiés de vacances. Le groupe toulousain biberonné au rock australien nous partage quelques rayons de soleil persistants. Et s’il devient lassant d’attendre qu’il réchauffent enfin l’Hexagone, il est toujours si bon de se les approprier  via des compositions soignées. Topo ce nouveau morceau sent bon la plage, le bronzage et de ses amours fusionnels qui n’existent que dans une atmosphère bien particulières. Sauront-ils persister malgré le retour chez soi ? Voilà tout l’enjeu des paroles de ce titre qui s’appuie sur une gimmick instrumentale répétitive pour entrer dans les esprits. Avec les accents 90’s qu’on connait à  Beach SCVM, il crée avec aisance un moment léger et pourtant parfaitement construit. En un titre  le groupe réussi le tour de force de cumuler nostalgie et entrain sans que l’un ne devienne l’anti-thèse de l’autre. Il faut dire que le groupe démarre fort en plaçant dès ses toutes premières notes une atmosphère à fleur de peau qui sent bon la candeur de l’adolescence et le sel marin. La même fraîcheur se retrouve dans ce clip solaire et sa touchante histoire d’amour à laquelle  il sera facile de s’identifier. A découvrir sans attendre !

 

Victor Solf – Utopia

Génie indéniable à la voix grave et au timbre envoûtant, l’inimitable Victor Solf est de retour. Après un premier EP en solo “Aftermath” sorti en 2020, il débarque en 2021 avec un album au titre on ne peut plus contemporain “Still. There is hope” paru au mois d’avril. Les singles forts pleuvent sans surprise sur cette galette où douceur et raffinement riment avec danse et énergie. Son dernier extrait “Utopia” ne fera pas mentir cette doctrine. Le single inscrit dans la dualité se construit sur une très belle montée en puissance. Les première notes sont si profondes qu’elles pourraient évoquer un cantique. Il faut dire que Solf manie ses intonations avec la force du gospel, ses titres sont lumineux, il fédère. Tout en dénonçant l’utopie dans laquelle on vit entre réseaux sociaux et manque de confrontations au réel, le chanteur dresse un triste constat d’une réalité beaucoup moins rose que les bulles dans lesquelles l’on s’enferme. Peut-être pour mieux les faire éclater, le chanteur prend des accents danse pop et illustre le tout par un clip coloré où liberté est synonyme de mouvement. Du grand art, comme sur chacune de ses sorties.

Alfie Templeman – Wait I lied

Génie multi-instrumentiste ayant déjà sorti 4 EPs à seulement 17 ans, rien n’arrête la tornade made in UK, Alfie Templeman. Control freak, il joue dix instruments de musique, compose et produit ses EP chez lui dans son village situé au nord du Bedfordshire. De retour en 2021 avec un mini album “Forever Isn’t Long Enough”, le musicien prodige est aujourd’hui incontournable.  Pour son dernier single, il utilise les codes qu’il construit si bien sur son album : une alt-pop énergique, bien produite, carrée et enivrante.  Alfie Templeman sait injecter de la modernité dans des riffs au rétro assumés. Il sublime le tout par une voix maîtrisée et surtout un très beau sens du refrain. Aucune note n’est laissée au hasard dans la progression des morceaux de ce petit génie comme il le prouve tout au long d’un album incroyablement cohérent et qui regorge de pépites (“Hideaway”, “Film Scene Daydream”, “To you”). A l’instar d’une certaine Billie Eilish qui comme lui tord les codes de la pop, Alfie Templeman tape juste sur chaque titre comme sur son petit dernier “Wait I Lied”, à découvrir avec son clip.

Silly Boy Blue – Teenager

Depuis qu’elle a remporté les Inouïs du Printemps de Bourges, Silly Boy Blue n’a fait que prouver titre après titre son immense talent. La pop mélancolique qu’elle porte s’avère fine, pointue, acerbe, belle comme du cristal et portée par une voix aérienne subjuguante. Le 18 juin, la musicienne accomplie dévoilait son premier album “Break up songs”, une pépite écrite, introspective, à fleur de peau et portée par un véritable sens de la mélodie. Pour se dévoiler un peu plus, la chanteuse vient de sortir le clip de l’immense “Teenager”, une ode qu’elle aurait souhaité entendre alors qu’elle était adolescente. De retour au lycée dans son clip, elle dévoile comme à son habitude la dose idéale de mélodies aériennes et de phrases scandées qui vont droit au coeur. Derrière une apparente timidité, Silly Boy Blue est une artiste entière, sincère, aux messages forts. La progression de “Teenager”, ses boucles instrumentales, la délicatesse de son refrain en feront un hymne idéal à chanter haut et fort. Essentiel.


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The father, de quoi ça parle ?

THE FATHER raconte la trajectoire intérieure d’un homme de 81 ans, Anthony, dont la réalité se brise peu à peu sous nos yeux. Mais c’est aussi l’histoire d’Anne, sa fille, qui tente de l’accompagner dans un labyrinthe de questions sans réponses.

 

The Father, est-ce que c’est bien ?

Deux Oscars pour The Father, un coup de maître pour Florian Zeller. Avec un premier passage derrière la caméra, le frenchie et auteur rafle tout et s’offre un véritable rêve hollywoodien. Il faut dire que l’adaptation de sa pièce de théâtre Le Père avait de quoi séduire un public friand de films  novateurs et joliment écrits.

Différent vous dites ? Oui et pourtant, hasard du calendrier, problématique actuelle ou simple réflexion d’une génération de cinéastes, la thématique de la démence des personnes âgées avait été abordée deux autres fois cette même année. La première par le genre horrifique grâce à l’immense Relique, sa vocation à mettre en avant le lien mère, fille, petite-fille, la perte de la raison, l’habitation comme enfermement, la fin de vie. Une pépite poétique où l’esprit prend les même gimmicks que les esprits. Venait ensuite le tour de Falling, premier film à la réalisation de Viggo Mortensen qui prenait comme postulat la mésentente père-fils et l’âge pour mieux parler de son sujet. Le film, comme l’expliquait Florian Zeller lorsqu’il présentait son film dans le 19ème arrondissement de Paris, avait également été projeté à Sundance. Les deux pouvaient donc être liés, ne serait-ce que par leur sorties sur les festivals.

The Father filmLes comparaison entre les trois oeuvres s’arrête pourtant là tant chacun a choisi une approche différente pour raconter son sujet. Et dans le cas de The Father, la forme compte au moins autant, si ce n’est plus que le fond. De prime abord, le but premier du métrage semble bien être celui de déstabiliser le spectateur. Comment l’immense Anthony Hopkins, le génie, l’interprète du brillant et vicieux Hannibal Lecter pourrait-il être abandonné par son esprit ? L’idée semble tellement improbable qu’elle crée visuellement le premier choc de la pellicule. C’est d’ailleurs surtout pour cette raison que Florian Zeller a attendu des mois durant le talentueux acteur gallois et ce au risque de reporter deux fois son tournage.

Notre homme est un habitué du théâtre, si sa bibliographie prouve ce propos, le choix narratif de la bobine de Zeller fait de même. Souvenez-vous de la règle d’unité du théâtre de Boileau  «Qu’en un lieu, en un jour, un seul fait accompli tienne jusqu’à la fin le théâtre rempli». Si cette règles est loin d’être appliquée à la lettre, notre histoire se raconte en un seul lieu. Un lieu mouvant et changeant comme un décors qu’on changerait sur une scène. Le temps lui même semble calculé pour être une journée unique, une journée qui changerait pourtant sans cesse d’heure, de moment, qui se répèterait en boucle et en même temps qui changerait en chaque instant. Cette confusion du temps de l’espace, bien plus qu’un élément théâtral est ici utilisé pour adopter le point de vue d’Anthony, le personnage joué par Anthony Hopkins. Comment peut-on alors faire confiance à un narrateur qui ne sait plus ce qui se passe ? Comment pourrait-on ne pas faire confiance à Anthony Hopkins que l’on suit minute après minute de ce chef d’oeuvre émouvant, dure, tragique et si vrai ? Loin du métrage de Viggo Mortensen qui cherche à pardonner au père ses nombreuses imperfections et épouse le point de vue d’un fils aimant et éprouvé, “The Father” lui fait un immense travail d’empathie et tente de nous faire vivre le calvaire du père à demi-conscient de ses pensées qui le quittent. Il est pourtant loin d’être un écrit auto-biographique, le réalisateur évoque une histoire inventée qui lui a été vaguement inspirée par sa grand-mère tombée elle aussi dans la démence. Pour qui aura vécu le chemin d’un proche perdant doucement l’esprit, le film semblera d’un tel réalisme, d’une telle précision, qu’il en deviendra douloureux à regarder.

C’est sûrement l’une des plus grandes forces de cette pellicule, une empathie à fleur de peau qui joue de jeux de caméras et d’effets de styles pour perdre un spectateur pourtant conquis. Nolan et son “Memento” peut donc bien aller se rhabiller.

Un casting à couper le souffle

the father florian zellerL’ombre de l’enfant piégé dans une relation d’aimant dépassé plane à tout moment sur The Father. Interprétée à la perfection par Olivia Colman, sa fille Anne, est débordée par les évènements. Elle tente d’apaiser un père qu’elle ne comprend pas, qui la blesse à répétition et qu’elle veut sauver de lui-même. A moins, que ce ne soit pas le cas ? Et si Anthony avait raison ? Comme souvent, la perte de repères entraîne la paranoïa. Qui doit-on croire ? A quoi peut-on se raccrocher ? Aux objets peut-être, une montre par exemple, un repas. Il est donné au spectateur le choix de croire en certaines scènes puis de détruire le cadre que l’on prend pour acquis pour mieux recommencer. Et la force de The Father tiendra à enchaîner les débats chez les spectateurs désireux de raccrocher les wagons, de démêler les instants et les moments. Vous voulez connaître la vérité tangible ? Et bien, doutez donc.

Si les repères changent seulement sensiblement, certains s’additionnent donnant par instant des pistes de réflexion comme l’omniprésence de la  couleur bleue qui prendra sens dans son acte final. Le film s’avère être un effet de style qu’on ne saurait trop raconter pour permettre au spectateur une immersion intense aussi difficile qu’essentielle. On en sort évidemment boulversé, convaincu d’avoir vécu un grand moment de cinéma et une claque douloureuse.

L’autre force du métrage vient  de ses performances d’acteurs. En tête de liste l’immense Anthony Hopkins qui remporte donc un Oscar, plus que mérité pour le rôle. Rarement jeu d’acteur n’avait été aussi juste. Il épouse tant la psyché de son personnage qu’il est impossible de voir l’acteur jouer. Cet exploit est d’autant plus fort qu’un acteur immensément connu finira toujours par transparaitre derrière les traits de celui qu’il interprète. C’est d’ailleurs pour cela qu’Edward Norton (qui avait déjà donné la réplique à Hopkins dans ‘Dragon Rouge’) préférait ne rien révéler de sa vie privée : laisser le spectateur croire en son rôle. Une fois n’est pas coutume, il devient impossible de penser assister à une simple bobine. L’âge d’Anthony Hopkins lui a-t-il permis de projeter ses angoisses sur bobine ? Les nôtres y sont en tout cas représentées. A cette côté Olivia Colman est bouleversante, d’une vérité criante. Elle est le spectateur qui pourra s’identifier à ses détresse, parfois contenue, souvent rampante sous sa peau.

“The father” s’avère être une épopée aussi haletante que poignante. Un immense moment de cinéma qui colle parfaitement avec une ré-ouverture tant attendue. Allez le voir sur grand écran, faites vous ce cadeau. Par les temps qui courent l’empathie envers nos aînés ressemble à un cadeau.


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