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Julia Escudero

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THEE DIAN
Crédit photo : GIL ANSELMI

THEE DIAN, c’est avant tout le rencontre d’une voix. Puissante, profonde, enivrante et inoubliable. La chanteuse offre au compte goutte les brides de son univers en se dévoilant titre par titre comme autant de petits cadeaux à déballer les oreilles grandes ouvertes. Si la promesse d’un album et d’une rencontre en live planent au-dessus de nos têtes, chaque extrait mérite de prendre le temps de le déguster et de s’en imprégner. Avec un flow aussi dansant que mélancolique, la belle tape juste et s’offre une palette moderne loin d’être privée de références .

Il faut dire que la musique coule dans ses veines depuis son plus jeune âge. Elle apprend le piano à trois ans alors que sa mère, choriste d’Alpha Blondy et Manu Dibango et que son père, chanteur de Carlos Santana lui donnent le goût des partitions et des notes savantes. Entre Dakar et Paris, THEE DIAN crée un Monde où les étiquettes n’ont pas leur place et où la liberté est mot d’ordre.

Paper Angel : le clip de la renaissance 

A seulement 20 ans, après avoir dévoilé en décembre son premier titre solo « Insanity » sur le label Spin Desire, THEE DIAN livre ici un clip à fleur de peau. Elle y évoque le fait de tuer symboliquement son deadname. Le morceau « Paper Angel » est à prendre comme un témoignage universel. La chanteuse y évoque la puissance du voyage de sa transition, la patiente dont il a fallu faire preuve mais aussi la force qu’elle en a tiré. Artiste LGBTQ+  engagée, elle crée un halo lumineux, symbolique du fait d’être enfin elle-même, libérée du poids d’une identité subie.

Ce besoin de s’échapper des cases et de voir au-delà se fait tout autant sentir dans sa musique où le rap côtoie l’électro, flirte avec le r’n’b sans jamais se cantonner dans un registre unique, repoussant frontières et attentes. Ce « Paper Angel » s’avère être un périple où bienveillance et lumière règnent en maître et où la maîtrise instrumentale est un outil savamment utilisé pour inviter l’auditeur à la découverte d’un Monde nouveau. Un Monde où chacun peut s’exprimer, créer, être lui-même, affranchi de jugements et de prisons. Un Monde où art et musique sont leaders en somme.


C’est sincère. C’est un sérieux cri du cœur. C’est intense et bienveillant. C’est puissant. C’est ça. C’est le nouvel album de Grouplove. This is This. Il nous est offert près d’un an  après le dernier opus du groupe américain et nous apparaît de manière aussi inattendue qu’il l’a été pour eux. C’est en effet frustrés de ne pas pouvoir tourner à travers le monde et célébrer la sortie de leur précédent effort que les membres de Grouplove se sont retrouvés face à eux-mêmes en temps de pandémie et nous ont livré cet album surprise. Ainsi, des déceptions et réflexions personnelles de chacun, naquirent les titres les plus honnêtes et spontanés du groupe. Très conscients mais sans concessions ; This is This et ses 33 minutes d’amour et de délivrance nous sont livrés en l’état, prêts à nous faire chanter et danser. 

Mais sinon, This is This c’est quoi ? Et bien c’est un concentré de rock teinté de grunge agrémenté d’une pop rendue singulière par les voix si personnelles de Hannah Hooper et Christian Zucconi. Mention spéciale à la jeune chanteuse et à sa puissance vocale pleinement exploitée sur ce nouvel album. Hooper y met toutes ses tripes et n’hésite pas à martyriser ses cordes vocales pour notre plus grand plaisir. Car oui, les titres qui nous sont proposés sortent pour la majorité de ce que Grouplove avait l’habitude de produire. Le son de This is This, est plus rock, plus violent et plus rapide sur la majorité des chansons. Les américains conservent néanmoins l’aspect très pop indé de leur musique ; et de cet alliage résulte notamment des tubes tels que Deadline et Shake That Ass. (A noter que ce titre a été inspiré à la chanteuse après qu’elle ait vu des jeunes gens shake leur ass sur Tiktok). 

this is it grouplove 2021Le virage pris en dérapage contrôlé par Grouplove sur ce nouvel album nous est annoncé dès le premier titre et le cri salvateur de Hooper : « It’s primetime baby ! ». S’enchaîne dès lors une déferlante de morceaux vifs et puissants à la manière de Seagulls et son chant crié, que seuls Shake That Ass et Oxygen Swimming viennent assagir. Ce dernier nous transporte ailleurs le temps d’une très belle ballade nostalgique qui saura ravir les fans de la formation. Just What You Want en featuring avec Dani Miller du groupe de punk-rock Surfbort est représentative du style adopté par le groupe de Los Angeles sur This is This. Un refrain fédérateur, une bonne dose de distorsion et un titre simple et efficace de 3 minutes. L’album est par ailleurs construit de manière très juste et l’ensemble des titres se suit de manière fluide. Chacun est à sa place et pas un des morceaux n’est à jeter.  

.L’apogée de ce processus salvateur se retrouve dans l’ultime titre de l’album : Shout.

Les conditions de conception de This is This sont probablement à l’origine de ce concentré réussi d’authenticité. Composé en confinement, enregistré en neuf jours de manière secrète (et ce même pour le label!); Grouplove s’est fait plaisir et nous fait plaisir. Une réelle sincérité est apparente tout au long de l’album et le sentiment que ces titres ont été un moyen pour le groupe de se libérer de tous leurs tourments et de se laisser-aller est majeur durant l’écoute des neuf titres. L’apogée de ce processus salvateur se retrouve dans l’ultime titre de l’album : Shout. Hooper se libère une bonne fois pour toute et nous convie à la joindre dans ce cri libérateur. This is This est conclu en beauté par un titre qui s’annonce d’ors et déjà comme un classique du groupe. 

C’est un ensemble d’une très grande qualité que nous offre Grouplove. Les titres s’enchaînent parfaitement et ne nous déçoivent jamais. L’énergie mise dans chacun des morceaux de This is This est communicative et nous ressentons bien que les musiciens ont adoré concevoir cette album. Et cela tombe bien, car nous aussi on l’adore. On adore la puissance des titres. On adore la petite part de personnalité que chacun des membres nous livre. On adore cet appel sincère et cet amour bienveillant. Grouplove a su se réinventer avec authenticité tout en gardant son style bien personnel et nous ne pouvons qu’y adhérer !

-Deadline, Just What you Want, Shout 

Grouplove - Just What You Want feat. Dani Miller of Surfbort

Adrien Comar

En pleine crise de la Covid-19 et alors que les cinémas sont obligés de rester fermés depuis des mois, l’équipe de PopnShot a eu la chance d’être conviée dans une salle obscure. Outre le plaisir immense de voir un film sur grand écran, la qualité du métrage proposé, Mission Paradis, a marqué les esprits. Puisque cette comédie atypique a le bon goût de jouer la carte de l’inclusivité, de parler du handicape sans langue de bois et d’amuser autant que de toucher. On vous raconte.

mission paradis affiche

Mission Paradis de quoi ça parle ?

Trois jeunes adultes décident de partir dans une aventure rocambolesque pour connaitre leur première fois dans une maison close de Montréal. Rien ne pourra faire capoter la mission, pas même leur handicap…

Mission Pardis, est-ce que c’est bien ?

mission paradis scottyAvec son synopsis pour le moins intriguant, on parle bien de trois personnes souffrant d’handicapes, qui décident, n’ayons pas peur des mots, d’aller voir des prostituées, le long métrage de Richard Wong, pourrait facilement tomber dans la comédie potache et rappeler la chanson de Giedré « Jackie le nain ». Un texte drôle et incisif certes, mais qui aurait manqué de matière pour traiter en profondeur son sujet. Oui mais, avec sa mention « inspiré d’un fait réel », le film promet instantanément de partir dans une toute autre direction. A l’heure où films et séries se sont enfin mis à choisir d’incorporer des personnages issus de minorités, de donner une plus grande place aux femmes, aux personnages LGBTQIA +, de couleurs et de religions variées, les personnes ayant un handicape sont elles souvent exclues du casting. Rare sont ceux à accepter de se frotter au sujet et encore plus ceux à accepter de créer des personnages qui ne seraient pas entièrement définis par leur handicape et les souffrances qui en découlent. Dans ce contexte, aborder la sexualité de ces personnages est encore plus rare. C’est l’une des nombreuses raisons qui font de « Mission Paradis » une véritable pépite alors que le film s’inspire de l’histoire d’Asta Philpot, un américain vivant à Leeds qui entend parler au cours d’une voyage en Espagne d’un bordel équipé pour les personnes en fauteuil roulant. Il y perd sa virginité. Suite à cette expérience, il décide d’organiser un voyage avec d’autres personnes partageant ses difficultés. Une équipe de la BBC les suit et de là née l’idée de Erik Linthorst (scénariste) et Richard Wong (réalisateur) de raconter cette histoire.

Un sujet sensible donc qu’il fallait traiter avec délicatesse et humanité. Et c’est bien là que le métrage réussi haut la main son pari. A bas, les clichés ! Nos trois personnages Scotty, Matt et Mo s’engagent dans un road trip complètement fou pour perdre leur virginité. A leurs trousses, leurs proches, trop protecteurs, qui obnubilés par le handicape en oublient l’Homme avec lequel ils vivent. L’homme et ses désirs, ses envies et ses pulsions jusque dans ses plus basiques. La société ne jette-elle finalement pas le même regards sur les personnes handicapées que les parents de l’histoire qui nous est ici contée ?  Y pense-t-on seulement ? Et puis quitte à casser les préjugés, Wong ne recule devant rien prenant Matt, un homme d’origine asiatique comme son héros le plus charmeur alors que bien souvent les préjugés s’obstinent à désexualiser les américains d’origine asiatique.

Si les road movies savent parler à chacun d’entre nous, étant une source d’inspiration hors du commun, Mission Paradis est surement l’un de ceux qui évoquent le mieux ce sentiment. Puisque sans jamais tomber dans les pièges qui pourraient être tendus par son propos, il s’efforce de montrer les difficultés de nos héros et d’en faire une force spectaculaire. L’humour est là pour cet « American Pie » à la sauce 2021 qui joue le jeu de la fraîcheur et de la bienveillance pour convertir le spectateur à son propos. Pour aider notre joyeuse bande, on retrouve au casting l’incroyable Gabourey Sidibe qui avait connu le succès avec le film « PRECIOUS » de Lee Daniels. Notre héroïne noire à forte corpulence est ici aussi attachante que séductrice et n’a rien à envier au rôle sexy de Shanon Elisabeth en son temps. Les blagues franches énoncées sans tabous font écho au moments plus dures qui  tireront  à coup sûr quelques larmes au spectateur le plus insensible notamment en fin de pellicule. Entre deux, situations exubérantes, humour franc du collier et blagues hilarantes s’alternent en restant loin d’être potaches.  Sans jamais devenir une dramédie, l’oeuvre ne perd pas de vue son choix narratif : rire franchement avec les personnes souffrant d’un handicape mais jamais à leurs dépends. La caméra filme avec bienveillance cette folle aventure, s’offrant une part d’intimité et de sobriété en tout instant. Face aux interdits, la fête est encore plus folle. Les personnages s’écrivent avec tendresse, leurs faiblesses, leurs défauts sont mis en avant avec élégance. Les imperfections sont si vrais, qu’on s’attache profondément à eux même lorsqu’ils dérapent. En cela le personnage de Scotty (Grant Rosenmeyer), sa grande bouche et son manque régulier d’empathie pour sa joyeuse bande est une réussite intégrale. Jusqu’au boutiste, il sait se montrer aussi agaçant que profondément humain.

S’il y avait néanmoins un reproche à adresser à la pellicule, ce serait bien celui de ne pas avoir donné de rôle principal à un acteur souffrant d’un véritable handicape. Bien qu’il reste évident que le travail d’acteur doit permettre à n’importe qui de personnifier n’importe quel personnage et de faire croire au spectateur qu’il est qui il dit être à l’écran, la place professionnelle faite aux personnes souffrant un handicape dans notre société reste malheureusement trop restreinte. Un acteur ne souffrant d’aucune forme de handicape pourrait à loisir interpréter la plupart des rôles qui lui seront proposés mais l’inverse n’est pas vrai. Une telle oeuvre aurait pu permettre de donner un rôle sur grand écran à quelqu’un qui ne pourra pas s’offrir tous les rôles. Cela aurait prolongé son travail d’inclusivité et servi son propos.

Reste que le casting choisi est à la hauteur de l’histoire racontée et joue d’une honnêteté et d’une vérité criante en se faisant la voix de personnes bien trop peu représentées. Et cette voix, cette fois, elle crie bien fort : On est humains, et on a très envie de sexe !

Découvrez la bande annonce de « Mission Paradis »

La date de sortie cinéma reste pour l’instant inconnue.


Les derniers rayons de soleil, comme les derniers jours semi-confinés, donnaient à Paris ce samedi  3 avril, un air de liberté. Minimale certes, empruntes de gestes barrières et de restrictions toujours, mais d’une forme printanière qui pouvait au moins prêter à sourire. C’est dans ce contexte qu’est tombée l’invitation faite aux professionnels uniquement, du duo Namoro à assister à sa release party. Des mots qui ces derniers mois, dans ce contexte particulier , signifiaient plutôt évènement en ligne qu’en présence physique. L’idée donc de se rassembler pour écouter de la musique live avait en soi déjà quelque chose de magique.Ce petit grain de folie et de beauté, ne s’avérait finalement pas être une simple vue de l’esprit. La beauté et l’union existait toujours, tout comme les arts vivants. C’est au CO que les musiciennes avaient donné rendez-vous à un public trié sur le volet. Nous y étions.

mythe, music and sun

Le lieu en lui-même vaut déjà le détour. Au programme un espace restaurant fait de bric à braque, d’oeuvres d’art et de souvenirs à l’image d’une boutique des Puces de Paris situées à quelques rues de là. Isabelle, la propriétaire, ne peut qu’attirer la sympathie lorsqu’elle dépeint un projet de grande ampleur incluant cours de yoga et espace cabaret à venir dans ses murs. Ceux qui le connaissent n’en démordent pas : il faudra absolument y revenir lors de sa réouverture, le Co est l’un des meilleures restaurants du 18ème arrondissement et probablement l’un de ses bars les plus libres, personnifiant l’âme de ce quartier cosmopolite. Il n’empêche qu’il garde encore d’autres secrets. Notamment, une terrasse cachée à l’étage, lieu de notre showcase. Des chaises y ont été installées pour respecter les consignes assises et distanciées. Face à elles, instruments et micros sont touchés par le soleil. Exit le froid matinal qui rappelais que la semaine qui suivraient verrait revenir la neige, au mois d’avril, d’un hiver sans fin qui semble avoir commencé en mars 2020. Ici, la chaleur est de mise, sur scène et au-dessus de nos têtes.

Bienveillantes et complices, les acolytes de Namoro nous font face. L’accueil a été réalisé par leurs soins et plus que l’esprit showcase, c’est ici la sensation d’être invités chez des amis qui se dégage. Sur album, les filles frappent fort donnant un grain d’électro à des compositions aériennes en anglais et en français qui pourraient bien évoquer Yelle ou Sexy Sushi. En live, c’est à un voyage au coeur d’un mythe qu’est convié l’assemblée. Celui de Cassia Popée, figure non binaire, aux trois yeux et trois bouches, que ses créatrices racontent avec passion. « Quand on se reconnait pas dans les souvenirs, on les invente »  expliquent-elles alors qu’avec des codes qui pourraient bien rappeler les figurent indous, nos deux hôtesses évoquent une forme de déesse LGBTQIA+ friendly. Ce sont ses louanges qu’elles vantent à travers leurs chants des sirènes. Le voyage traverse les époques alors qu’elles reprennent « Les démons de minuit » peut-être ceux-là mêmes qui nous manquent le plus dans une version aussi sensuelle que contemporaine. Les riffs trainent en longueur alors que les deux voix se composent en écho. Les voix se sont celle de Bili Bellegarde, connue pour être une figure du cabaret parisien Madame Arthur (l’une des premières scènes de Serge Gainsbourg  aujourd’hui cabaret de shows travestis aussi piquants que joliment mis en scène) et celle de Mascare, maîtresse des machines au ton grave. L’alliance des deux s’inscrit comme une évidence poétique, une petite révolution musicale.

Textes féministes et engagement trouvent une nouvelle voix, défiant les codes pour se les réapproprier, évoquant tantôt une certaine scène française des années 90, tantôt les arts en générale et en particulier la littérature. C’est d’ailleurs bien une démarche très arty que dévoilent nos deux musiciennes. Au-dessus de la scène plane l’âme de chanteuse engagée parisienne Colette Magny qui dénonçait injustices et péril écologique. Entre chaque morceau, elles prennent le temps de se raconter avec humour et ton prophétique « Certains travaillent en famille, nous travaillons en costumes. » s’amusent-elles dans leurs tenues multi-colores. Le public initié est bienveillant et n’en perd pas une miette. Les pieds s’agitent sur le sol alors que les corps figés sur une chaises se déhanchent dans les esprits uniquement. la performance de 9 titres est aussi lumineuse que le lieu qui nous abrite et que les néons qui se racontent.

Puisqu’apparemment il faut une fin à tout, Namoro conclut par un morceau pour l’été comme elles se plaisent à l’expliquer. Enjoué et joliment rythmé, il  pourrait comme le souligne l’audience faire un carton aux soirées Wet for Me (organisées par le collectif lesbien et féministe Barbi(e)turix). Si danser est aujourd’hui une forme de crime, le groupe convoque l’esprit de la fête au moins le temps de quelques notes bien senties et utilisent leurs machines telle une planche de Ouija. De la trans communication instrumentale qui réveille un passé qui nous manque à tous et qu’on espère conjuguer au futur. Comme le succès à souhaiter à nos musiciennes.

Le premier album de Namoro, Cassia Popée sera disponible en vinyle le 11 juin.