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Léonard Pottier

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En ce début année 2020, alors que les futures floraisons artistiques attendent patiemment (du moins, on l’espère !), il est venu le moment des découvertes. Un nouveau cycle galvanise les espérances. Il nous tarde d’écouter ce que 2020 aura à nous proposer. Mais pas si vite, car 2019 n’a pas dit son dernier mot. Plusieurs projets vous sont peut-être passés sous le nez, et c’est le bon moment pour se rattraper !

Trois EP qui valent le détour

 Laissez-nous donc vous présenter trois projets d’artistes français déjà un peu expérimentés dans le domaine (ce n’est à chacun pas leur première fois), tous sortis fin 2019. Ces EPs (case quasi-obligatoire pour les artistes qui souhaitent gagner en reconnaissance), abordent chacun un style différent, et ont tous les trois la particularité de le faire avec maîtrise et talent. Ces projets annoncent le meilleur pour les artistes qui les portent et les défendent fièrement, et autant dire qu’ils ont de quoi !

1. Sous la lune / Elodie Milo

EP, Sous la Lune, Elodie Milo, 2019

 Douce et singulière, la voix d’Elodie Milo revient nous envoûter avec un troisième EP bluffant. Elle libère ici tout son imaginaire à travers des compositions recherchées, à la limite des genres, mélangeant chanson française, folk et rock. Les rythmiques insufflent à cet EP un sentiment de liberté. C’est une marche enchantée, où le point d’arrivée est défini mais à travers laquelle on aime se perdre, prendre des détours, contempler le paysage qui se dessine progressivement, naviguer vers des horizons éparpillés. On se plaît à y découvrir une impressionnante atmosphère de calme et de rêverie, où chaque morceau apporte sa part de mystère. Le tout s’enchaîne parfaitement, il n’y a pas de chanson en dessous d’une autre. Elodie Milo nous guide sans jamais lâcher notre main. Elle parvient à créer un projet solide du début à la fin, fait de propositions aussi riches que réussies. Mon coup de cœur revient à « Semilia de Luna », un morceau chanté en espagnol, brillamment construit, dont l’élévation finale, toujours en retenue et légèreté, démontre la sensibilité créatrice d’une artiste ayant trouvé la beauté et l’émotion.

 

2. Ten Thousand Feet and Rising / The Gentlemen of Leisure

EP, Ten Thousand feet and rising, The gentlemen of leisure, 2019

 Un groupe de rock comme on les aime, français qui plus est ! Le nouvel EP de The Gentlemen of Leisure (leur premier datait d’il y a plusieurs années maintenant) combine toute la puissance d’un groupe qui a déjà trouvé une identité propre, bien qu’habité par beaucoup d’influences. Mais de cela, ils en font leur force. Leur musique fait surgir dans nos esprits plusieurs images connues, mais qu’ils ont le pouvoir de modeler à leur sauce. Le meilleur exemple est d’ailleurs la magnifique reprise du morceau culte « Tainted Love », ici animée d’une fougue propre au rock. On pourrait presque penser que c’est un morceau original du groupe tant ils parviennent à la convertir à leur style (contrairement à Marilyn Manson par exemple qui gardait les sonorités de la première version). La chanson titre placée en ouverture de l’album nous revigore d’un coup sec, avec son riff implacable et son refrain simple mais terriblement efficace. Cette ouverture, porte d’entrée vers un plaisir immédiat orchestré par un rythme entraînant, est à l’image du reste de l’EP : le groupe ne fait pas les choses à moitié, et excelle dans leur tentative. « Ears » est tout aussi séduisante, coup de poing instantané. La dernière chanson vient calmer le jeu, éteindre les flammes laissés par les morceaux précédents. Mais les braises perdurent, et la douceur de ce « Ever Fallen in Love » a de quoi garder notre cœur pendant encore quelques minutes. Une magnifique clôture, tout aussi mémorable que les autres morceaux. The Gentlemen of Leisure a donc la qualité certaine de faire du rock, du vrai, et de le faire avec un indéniable talent.

 

3. Hello Again / Adam Wood

EP, Hello Again, Adam Wood, 2019

 Il est déjà un peu connu dans le milieu, suite à deux précédents albums en 2012 et 2014, et il a décidé de revenir aujourd’hui avec un court projet de 4 titres seulement. Mais quels titres ! Portés par une fabuleux désir d’élévation, ces quatre chansons démontrent bel et bien tout le talent d’Adam Wood, qui utilise sa voix charismatique pour défendre des textes se mariant parfaitement aux sublimes compositions. On retrouve dans cet EP quelque chose de l’ordre de la nature, sans doute grâce au vert de la couverture allié à ce titre évocateur « The Great Escape ». Mais plus que cela encore, on ressent à travers la musique une tentative réussie d’honnêteté, qui donne lumière au projet. Le ton est clair : « I’d rather be dead », sur fond de blues moderne, constitue ce que l’artiste sait faire de mieux : une musique élégante et de caractère, qui apaise nos esprits avant de décoller. Les instruments résonnent avec douceur, en accord avec un style étrangement épuré. Parallèlement, la voix du chanteur nous transporte. Libéré par la musique, Adam Wood se révèle sous une nouvelle facette plaisante, dont les morceaux lui permettent d’affirmer son besoin de se redéfinir par la création artistique. Construit à partir d’une colonne vertébrale solide, ce court projet aura de quoi surprendre par sa cohésion. « Hello Again » donne envie de plonger tête baissée tout nu dans une rivière secrète au milieu du monde.

A vous de jouer !

Voilà donc les 3 EPs à écouter absolument pour bien entamer cette nouvelle année. D’ailleurs, il est dit que si vous ne les écoutez pas, vous passerez une année de malheur musicale. A vous de voir !

    2019 se termine à peine que nous avons déjà établi notre liste des meilleurs albums de l’année. Il a fallut en choisir 25 parmi de nombreuses pépites, et le moins que l’on puisse dire, c’est que cette fin de décennie n’aura pas été égoïste. Avec l’arrivée de nouveaux groupes et artistes aux ambitions fortes et ceux dont la réputation n’est plus à refaire, cette année aura été riche en matière musicale, et cela pour notre plus grand plaisir.  La scène irlandaise a frappé fort en 2019 et trouve une place conséquente dans ce classement, sans oublier les artistes français toujours présents dans divers styles: rap, éléctro, rock… Ce top des albums de l’année a pour objectif de vous faire découvrir les oeuvres qui nous ont marqué durant tout le long de l’année, et ne se présente pas comme une liste purement objective et exhaustive. Laissez-vous porter par ces multiples et différents univers musicaux qui parsèment la liste, en espérant que cette dernière puisse vous ouvrir des portes sur des horizons encore inexplorés ! On se retrouve très bientôt pour le top albums de la décennie.

25. THE TALKIES / Girl Band

 

  Un réservoir inépuisable d’expérimentations en tout genre. Girl Band, jeune groupe irlandais, ressort mature de ce nouvel album aux compositions pour le moins étranges. La voix saturée du chanteur donne le ton : The Talkies transpire de rage et d’énergie. On crie de partout, on fait de la musique un détonateur imprévisible, et on expérimente avec des morceaux sans queue ni tête. C’est un peu brouillon, et on ne voit pas très bien où le groupe veut en venir, mais on se laisse très vite porté par ce brouillard mystérieux. Car après plusieurs écoutes, The Talkies se révèle enfin, et autant dire qu’on ne regrette pas d’avoir usé de notre patience. C’est un album sombre, violent et imprévisible, un voyage à travers des esprits torturés, dont la musique met au jour un dysfonctionnement d’ensemble. Fuck les règles, on fait ce qu’on veut. Une œuvre angoissante, à la limite de la claustrophobie.

 

24. WHY YOU SO CRAZY / The Dandy Warhols

  Toujours propres à eux-mêmes, les Dandy Warhols poursuivent leur avancée musicale avec une identité unique et admirable. Ils explorent et expérimentent toujours, avec un talent moins éclatant qu’en début de millénaire, mais tout de même empreint de sincérité et de conviction. Why You So Crazy nous prouve qu’ils sont toujours présents, dans une recherche sonore nouvelle et une perception autre, et qu’ils continuent d’y croire et de nous livrer des morceaux recherchés et uniques en leur genre.

 

23. RHEOLOGIE / Nedelko

  Tout jeune rappeur français, Nedelko impressionne par la qualité de ses textes et l’originalité de ses morceaux. En collaboration avec Oster Lapwass, beatmaker/producteur bourré de talent, le rappeur nous offre une œuvre complète qui n’est pas prête de se laisser saisir aussi facilement. Un grand album aux compositions élaborées.

 

22. FLAMAGRA / Flying Lotus

  Avec ses sonorités venues tout droit de l’espace et ses compositions toujours aussi étranges, Flying Lotus frappe un coup fort avec ce nouveau projet. Le défi de proposer des morceaux expérimentaux sans réelle base est osé, mais fonctionne toujours aussi bien grâce au talent indéniable de l’artiste et à ses nombreuses collaborations. Il faut dire que la production irréprochable n’est pas sans nous déplaire !

 

21. LES ETOILES VAGABONDES (EXPANSION) / Nekfeu

  Le coup de poing du rap français de 2019. Nekfeu revient plus fort que jamais avec ce double album aussi riche qu’impressionnant. Accompagné d’un film retraçant sa création, Les Etoiles Vagabondes (expansion) témoigne de la complexité ainsi que de l’inventivité d’un véritable artiste. Impossible de passer à côté.

 

20. CONFESSIONS / Philippe Katerine

  Toujours aussi déjanté, Katerine fait de Confessions son tiroir à conneries. Et quelles conneries ! Extrêmement bien écrites et composées, ces confessions, uniques en leur genre, rappelle que Katerine est avant tout un artiste de qualité et qu’il n’est pas seulement là pour la blague. Au contraire ! Sa musique témoigne d’un indéniable talent et d’une incroyable intelligence. Chapeau bas l’artiste.

 

19. SOCIAL CLUES / Cage the Elephant

   Encore plus mature et évolué que leur précédent projet, Social Clues hisse le groupe américain parmi les plus doués de sa génération. Les morceaux de ce nouvel album sont une plongée à l’intérieur d’une pop moderne, terriblement efficace et actuelle ! On ne peut qu’en redemander.

 

18. DOGREL / Fontaines D.C.

 Premier album pour les irlandais de Fontaines DC. Autant dire qu’ils ne sont pas passés par quatre chemins. Dans la lignée du post-punk, Dogrel nous dévoile tout le talent de la nouvelle scène irlandaise émergente. Concis et puissant, ce rock tâche est tellement jouissif qu’il vous fera au pire oublier un instant cette société de merde et, au mieux, vous remontera encore plus envers cette dernière ! A vous de voir.

 

17. FATHER OF THE BRIDE / Vampire Weekend

   Après de nombreuses années d’absence, il était temps pour l’un des groupes les plus influents de sa génération de revenir en force. C’est chose faite avec Father of the Bride, double album aux multiples facettes. On y retrouve l’énergie endiablée du groupe américain, la recherche sonore toujours aussi pointue, et le génie de composition qui parcoure l’oeuvre dans son entièreté. Avec un style unique en son genre, et un chanteur à la voix folle de charisme, Vampire Weekend a une fois de plus su nous séduire, et pas qu’à moitié !

 

16. ZAM / Franckie and the Witch Fingers

  Survitaminée ! C’est ce terme en particulier qui nous saute à l’esprit pour décrire la musique de Franckie and the Witch Fingers, un jeune groupe indépendant américain. Leur rock garage ne s’essouffle jamais et nous prend toujours par surprises grâce à un rythme effréné et des mélodies entêtantes. Un véritable réacteur en fusion ! A découvrir d’urgence.

 

15. THIRST / SebastiAn

 

   Après plusieurs années d’absence, SebastiAn, une des forces de l’éléctro française, a décidé de revenir en cette fin de décennie. Nous avions très peur du résultat, mais l’artiste nous a vivement réconforté avec une œuvre impressionnante. Plus que satisfaits, nous avons même été surpris, tant Thrist s’aventure sur des terrains inexplorés. Plus que moderne, ce nouvel album s’adresse aux pulsions qui sommeillent en nous. Avec des sonorités recherchées et tout un tas d’invités, SebastiAn livre un album complet et copieux, duquel vous ressortirez légèrement déboussolé. Pour autant, ne vous inquiétez pas : même si vous risquez de vous faire violenter comme sur la pochette, l’album a pour but de vous réveiller pour la décennie qui arrive à grands pas.

 

14. NOT WAVING, BUT DROWNING / Loyle Carner

Douceur et sérénité. Loyle Carner fait de son album un instant hors du temps, se frottant aux nuages. Mais ne vous détrompez pas, Not Waving, but drowning n’a rien d’ennuyeux. Bien au contraire, cet ambitieux projet démontre le savoir-faire de l’artiste, qui alterne entre douceur d’une voix entêtante et énergie dévorante de compositions maitrisées. A la limite du slam et du rap, Lolyle Carner nous berce autant qu’il nous réveille pour l’année entière.

 

13. INFEST THE RATS’ NEST / King Gizzard and the Lizzard Wizard

 

  THERE’S NO PLANET B !!! En plus d’éveiller les consciences écologiques, King Gizzard poursuit son exploration des genres. Il s’attaque cette fois-ci au métal ! Qui l’eut-cru ? Et en plus de cela, il le fait de façon évidemment grandiose et parfaitement maitrisé. Encore plus fort et véritable qu’un groupe de métal ! Le groupe fait une fois de plus preuve d’un talent monstre et met en PLS tous ses compères. Pile d’électricité, Infest the Rats’ Nest a tout pour démolir les murs de votre habitation. Ecoutez-le, et vous ne ressortirez pas intact.

 

12. GHOSTEEN / Nick Cave

 

   Nick Cave nous ensorcèle et fait de nous ses pantins. Rien n’est plus bouleversant que la voix d’un père parlant de son fils décédé. Encore plus quand celle-ci appartient à Nick Cave. Quelle puissance et quel courage se dégagent de cet album. Ghosteen révèle un artiste particulièrement solide sur ses appuis, bien que meurtri par un drame. Les morceaux qui l’accompagnent impressionnent par leur justesse et leur continuel souffle de rage et de lutte. Un grand moment de musique et d’émotions.

 

11. PHILANTROPIQUES / Guts

 

   Le beatmaker et producteur français Guts se lance dans la musique africaine ! Et autant dire que ça a de la gueule. Plus que ça même, Philantropiques est un véritable coup de génie. Entre rythmes répétitifs et mélodies africaines terriblement efficaces, cet album vous donnera envie de faire la fête toute l’année ! Un bijou de l’année 2019, qui n’est pas prêt de perdre de son dynamisme et de sa positivité. Un calmant pour l’esprit.

 

10. ANIMA / Thom Yorke

 

  Quelle joie que de retrouver Thom Yorke plus créatif que jamais. Son nouvel album Anima est bouleversant de grâce et de précision. Grâce à une super production et un attrait pour la répétition et les sonorités aériennes, Thom Yorke propose une œuvre en rapport avec son temps, venant adoucir nos esprits souvent trop chargés, et nous transporter sur un nuage où il ne serait pas dérangeant de fumer à sa guise et de se prélasser toute la journée. Une musique qui accompagne donc nos désirs de fuite et d’échappée. On en voudrait plus chaque année.

 

9. JE SUIS AFRICAIN / Rachid Taha

 

   On se méfie généralement des albums posthumes. La peur d’être déçu, la peur d’écouter quelque chose de non totalement désiré par l’artiste décédé… Je suis africain va vous réconcilier avec cela ! Le rock des grands ne meurt jamais… Rachid Taha en faisait partie, il était un des meilleurs artistes de son époque. Il était l’incarnation d’un rock sincère et dynamique. Un an après sa mort sort cet album qu’il avait terminé en 2018. Une véritable claque. Le rockeur alterne entre chant français et chant arabe, dans un mélange des genres totalement maitrisé. Les morceaux sont terriblement efficaces et le sentiment de joie et de vie qui se dégage de cette œuvre est incomparable à quoi que ce soit. La musique moderne de Rachid Taha n’est pas prête de s’essouffler, et tend à perdurer encore très longtemps. Je Suis Africain fait partie des grands albums de cette année 2019.

 

8. FACE STABBER / Oh Sees

 

   Un album à vous en faire perdre la tête. Que de guitares, que de mélodies, que de bonheur ! Oh Sees, toujours aussi prolifique, livre son chef-d’œuvre de l’année habituel. Cette fois-ci, c’est un double et il s’appelle Face Stabber. Le groupe garage indépendant américain nous retourne dans tous les sens possibles et nous laisse obligatoirement désorientés. Les sons viennent de partout, les rythmiques font de nous des machines et les compositions nous rendent à moitié maboules. Cette folie musicale porte un nom : Oh Sees, et croyez-nous, ils ne sont pas prêts de s’arrêter là.

 

7. WHEN I HAVE FEARS / The Murder Capital

 

   En voilà un groupe à l’avenir prometteur ! Ils font partie de la nouvelle scène irlandaise émergente et, plus que quiconque, défendent un rock de caractère. When I Have Fears est un bijou de composition et de montées en puissance. Il n’a pas fallu longtemps aux cinq amis de The Murder Capital pour montrer à quel point leur musique s’imposait comme une évidence. Essentielle, cette œuvre de haut niveau, complète, élégante et variée, vient se place en tête de liste, et autant dire que c’est amplement mérité.

 

6. IGOR / Tyler, the Creator

 

   La sensation de 2019 ! Tyler, the Creator avait frappé fort avec Flower Boy il y a deux ans de cela, mais est revenu cette année plus puissant que jamais. En affinant son style et en élargissant son champ des possibles, Tyler a fait d’Igor sa pièce maîtresse. Définitivement moins centré sur le rap que ses précédents projets, ce nouvel album n’en est pas moins fascinant, notamment pour la richesse de ses chansons et l’inventivité de son interprète, qui ne cesse de dévoiler des nouvelles facettes de son génie. On remercie Tyler Okonma pour avoir encore prouvé qu’il est l’un des artistes les plus doués et les plus influents de sa décennie.

 

5. SOUTH OF REALITY / The Claypool Lennon Delirium

 

  Belle surprise de l’année, Claypool and the Lennon Delirium signe un album riche à l’atmosphère psychédélique. La production ainsi que la maîtrise de construction des morceaux en font une oeuvre essentielle au rock actuel. Le fils de John Lennon et sa bande nous ont autant séduits qu’impressionnés et méritent donc cette si belle place dans ce classement.

 

4. NO HOME RECORD / Kim Gordon

 

   Acharnée… Du haut de ses 60 ans, Kim Gordon, ex Sonic Youth, largue un premier album stupéfiant de modernité. Il est rare de ressentir un brûlant désir de révolution à l’écoute d’une musique actuelle. Kim Gordon nous offre cette joie. Le capitalisme nous tue, le rock reste bel et bien une échappée. Prenons-la et enfuyons-nous alors qu’il est encore temps. No Home Record nous dicte le chemin, parsemé d’embûches et d’obstacles, à l’image d’une musique saccadée et expérimentale, mais dont le bout nous fait enfin voir la lumière. Merci pour ce moment de vérité Kim Gordon ! Le voilà le rock moderne.

 

3. THREE CHORDS AND THE TRUTH / Van Morrison

 

   Que dire ? Les maîtres restent les mêmes. Comment détrôner Van Morrison, surtout quand celui-ci ne présente aucun signe de faiblesse ? Les chansons de ce nouvel album sont si magiques qu’elles viennent remplir notre âme de bonheur. A la croisée du rock et de la soul, le mythique chanteur irlandais enchaîne sur plus d’une heure, avec le rythme dans la peau et de la manière la plus classe possible, ce qui semble être l’apogée de son art : 14 morceaux finement composés, accompagnés d’une voix à tomber à la renverse. Cette dernière, toujours intacte, et qui a même su gagner en profondeur et gravité avec le temps, a vite fait de nous faire penser que nous tenons là l’album de l’année. Car cet album d’envergure qui redonne pleinement vie au maître est un compétiteur de taille de cette liste. Mais pas si vite ! Certains ont fait encore plus fort !

 

2. FIRST TASTE / Ty Segall

 

   Un album Ty Segall sans guitares qui vous explosent la tronche, ça vaut vraiment le coup ? OH QUE OUI ! First Taste est un ovni musical, démontrant une fois de plus le savoir-faire du jeune californien. Qu’est-ce qu’il est bon d’entendre des prises de risque telle que celle-ci ! Et quand cette dernière est magistralement réussie, on ne peut que sauter au plafond de satisfaction. L’empreinte de Ty Segall est toujours bien présente, mais sous un nouveau jour, à travers des compositions bien plus risquées et originales. L’important est que ça fonctionne. First Taste transgresse toutes les limites et pousse le rock dans ses retranchements. Ty Segall se surpasse et se renouvelle avec brio. Un album hallucinant, dont le temps est nécessaire pour que la démarche soit bien appréhendée et comprise. Mais quand vous l’aurez cerné, croyez-nous, vous n’êtes pas prêt de vous en séparer.

 

1. LOVE HATES WHAT YOU BECOME / Lost Under Heaven

 

   Le voilà le chef-d’œuvre de l’année 2019. Celui qui nous poursuivra sur la décennie suivante. Lost Under Heaven n’en est qu’à son deuxième album, et pourtant ! Le duo américain composé de Ellery Roberts (ex leader de Wu Lyf) et Ebony Hoorn, a déjà fait beaucoup pour la musique. Leur premier projet était grandiose, celui-ci l’est tout autant. Love Hates What You Become confirme l’incroyable force de ce duo hors du commun. Habitées par une colère organique, leurs chansons sont avant tout portées par une voix bouleversante (surement la plus touchante de la décennie), et attestent d’un talent monstre de composition et de production. Une œuvre qui vous retourne dans tous les sens et qui vous donnent envie d’embrasser la rage et les pleurs qu’elle soulève en votre intérieur. Une œuvre rare et saisissante. Notre album de l’année.

 

Rendez-vous en 2020 !

 

 

A l’occasion de leur venue dans la capitale pour leur troisième concert parisien au Nouveau Casino (après La Boule Noire et Rock en Seine), nous avons rencontré les jeunes Irlandais de The Murder Capital (ou du moins deux d’entre eux : Gabriel Paschal Blake, bassiste, et Cathal Roper, un des deux guitaristes). Leur premier album, When I Have Fears, magnifique cadeau de fin d’été, avait retenu notre attention de par son impeccable maîtrise d’un style déjà propre à eux-mêmes, s’inscrivant dans la lignée du post-punk. En pleine conquête de nouveaux adeptes, le groupe compte bien faire résonner leur musique à travers le monde. Passionnés, revendicateurs, amoureux du rock, The Murder Capital n’en a pas fini de nous impressionner. La rencontre s’est passée dans leur hôtel, sur une petite terrasse des plus charmantes. Fatigués mais déterminés, les deux hommes nous ont fait l’honneur de répondre avec joie et gentillesse à nos questions. Ils nous ont parlés de la situation en Irlande, de la psyché humaine et de l’importante cohésion de leur groupe.

 

 

On a du vous poser cette question de nombreuses fois : pourquoi avoir choisi ce nom de groupe « The Murder Capital » ?

          Cathal : Quand on y pense, c’est en quelque sorte une réflexion sur les problèmes sociaux et politiques que l’on connaît à Dublin, comme le fait que la ville n’offre pas un service de santé fonctionnel. En Irlande et à Dublin, le taux de suicide n’arrête pas de grimper. C’est venu de là, de notre volonté de revendication. En prenant un nom dramatique, on pensait avoir un impact fort.

         Gabriel : La violence environnante, les meurtres au couteau, les choses comme ça, comparés aux autres endroits dans le monde, en Irlande c’est très présent. Notre pays n’est peut-être pas la capitale du crime mais au vu de l’investissement du gouvernement sur ces questions, c’est très préoccupant. Toutes les personnes à qui on parle ont déjà perdu un proche s’étant suicidé, ou ayant connu la mort à cause du mauvais système de santé. Tout le monde a connu, au moins une fois dans sa vie, des problèmes de santé mentale, comme la dépression. C’est vos amis qui vous sortent de la galère. Nous avons de la chance d’en avoir et de pouvoir discuter avec eux de choses comme ça, mais certains ne s’en sortent jamais. C’est de là que notre nom est venu, au vu de la situation critique en Irlande.

 

Concernant le système de santé défaillant en Irlande, y a-t-il une prise de conscience de la part des habitants vis-à-vis de cela, entraînant des luttes et des revendications fortes ou il y a un silence général autour de cette question ?

        Cathal : La plupart ont conscience du problème. Il y a des manifestations et des parades qui sont organisées pour lutter contre cela, ce qui est plutôt positif, mais on ne voit pas de changement de la part du gouvernement, avec des décisions concrètes. C’est compliqué de négocier. Cette prise de conscience des Irlandais est obligée de se confronter à l’indifférence du gouvernement.

        Gabriel : Oui, ils ne font rien…

        Cathal : Cela donne l’impression qu’il n’y a aucun d’efforts de fait de la part du pouvoir. Tu peux toujours essayer de lutter mais aucun moyen est bon.

        Gabriel : L’opinion des gens en général est en train de changer lentement. En parlant aux anciennes générations de ma famille, je remarque qu’ils voient aujourd’hui les choses différemment grâce aux plus jeunes générations qui font en sorte que tout le monde ouvre les yeux. Mais comme Cathal l’a dit, je crois que même si l’envie et le besoin de changement sont bien présents, rien ne bouge encore réellement. L’Irlande reste pour le moment inchangée. Mais je crois qu’un jour on y arrivera. Si je n’y croyais pas, il n’y aurait pas d’espoir.

 

En France, il y a des articles concernant les problèmes de dépression liés au monde de la musique, car c’est un milieu peu stable, les artistes peuvent en souffrir. Est-ce que c’est quelque chose que vous ressentez aussi, ou que vous avez pu remarquer chez d’autres ?

Gabriel : Je crois que Billie Eilish l’a très bien expliqué dans l’une de ses interviews quand elle dit que tous les musiciens sont tristes. La majorité des personnes qui font de la musique se sont probablement lancés dedans au départ afin de comprendre leurs émotions et se comprendre soi-même. Je pense que par la suite, si vous continuez dans cette voie, cette question est toujours aussi centrale. Le fait d’être souvent loin de chez soi, de vivre en tant que musiciens dans des environnements non naturels, comme par exemple dans un van avec neuf personnes, et de se trouver à longueur de journées en compagnie de la même bande, aussi incroyable que cela puisse être, et je me rends compte du merveilleux cadeau qu’est celui d’être ici à Paris aujourd’hui, ça peut rapidement vous peser. Si vous avez besoin d’une collection de personnes qui sont souvent tristes, les musiciens en font partie.

Cathal : La vie peut être difficile. Je ne crois pas que l’on soit tristes mais il faut comprendre que cela fait partie du métier.

Gabriel : Les musiciens sont probablement capables de mieux identifier leurs émotions, et peuvent dire distinctement ce qu’ils ressentent comparé à certains qui ne font pas attention à ce genre de choses.

 

Je pense qu’on peut maintenant parler de votre album…

         Les deux : Oui ! (rires)

 

 

Combien de temps vous a-t-il fallu pour le préparer ?

Cathal : Environ un an. On a commencé à l’écrire en avril 2018 et l’album a fini d’être enregistré et mixé en mai 2019. Au tout départ, on cherchait une direction, un son, une véritable identité, cela nous a pris un an. Et puis c’est devenu rapidement assez dingue.

 

Oui, vous vous êtes fait connaître sur Youtube avec une session live de « More Is Less », qui a eu un certain écho.

Cathal : Oui, ça a explosé à ce moment-là. L’été 2018, on a ensuite écrit « For Everything », « Feeling Fades », « On Twisted Ground » jusqu’en septembre environ. En novembre/décembre est apparu « Green and Blue ». Puis le reste de l’album a été écrit en janvier/février 2019 jusqu’à l’enregistrement des morceaux en mars/avril. Tout s’est bien assemblé. En janvier, on était stressés, ne sachant pas comment l’album final allait rendre. On a écrit tellement de chansons. Parfois je retourne sur mon ordinateur et j’écoute les morceaux que nous n’avons pas intégré à l’album. On avait beaucoup d’idées différentes, dont parmi elles quelques trucs dingues, mais qu’il fallait accepter de mettre de côté pour le bien du projet.

 

Et le titre de ce premier album « When I Have Fears », est une référence à un poème de John Keat. Vous lisez beaucoup ?

            Gabriel : Je suis un très mauvais lecteur. Pendant longtemps, je n’avais lu que huit livres, mais c’était avant de joindre The Murder Capital. Tous les membres du groupe sont intéressés par la littérature. J’adore le travail de certains écrivains irlandais, comme James Joyce et Samuel Beckett.

Cathal : Chacun a ses préférences dans le groupe. Personnellement, je lis plus de philosophie que de poésie.

Gabriel : C’est intéressant parce qu’on est différents. On a tous certains auteurs auxquels nous sommes attachés, ce qui équivaut pour la musique également. Ce sont ces différents goûts prononcés qui rendent notre musique spéciale.

 

Vous écrivez les morceaux tous ensemble ?

            Les deux : Oui

 

Ce n’est pas trop difficile parfois ?

            Les deux : Oui oui oui, ça l’est ! (rires)

Cathal : Ça fait partie du processus. Certains groupes n’écrivent pas ensemble, mais je sais que je ne pourrais pas le faire. Les chansons sont parfois longues à être composées pour cela d’ailleurs. Mais le résultat donne quelque chose de plus travaillé et cohésif. Tout est pensé, rien est jeté, ou alors on jette ce qui ne nous plaît pas tous ensemble.

Gabriel : On se sent tous concernés. Chacun veut en faire autant qu’un autre. L’idée qu’une personne dirige à lui seul le processus de création ne fait pas de sens pour nous. Il y a parfois des désaccords, mais ça ne peut qu’être bénéfique. Une partie de toi peut être convaincu qu’une chanson a besoin de tel élément, puis quelqu’un d’autre arrive et change ce que tu avais fait, cela peut-être énervant pendant un moment mais tu te rends finalement compte que ce changement est en réalité la plus belle chose qui puisse arriver pour la chanson, et que tu n’aurais pas pu atteindre ce niveau à toi tout seul. Essayer de se comprendre et de communiquer au maximum t’aide à atteindre un stade supérieur. Ce n’est pas facile et ça prend plus de temps mais le résultat final est bien plus appréciable et excitant.

 

Il y a un côté très organisé dans votre manière de composer. Tout semble venir au moment adéquat, avec beaucoup de montées en puissance réfléchies et élaborées. C’est essentiel pour vous que votre musique soit parfaitement organisée ?

            Gabriel : Du fait que nous soyons cinq à écrire les morceaux, tous les détails d’une chanson ont été réfléchis. A la fin, cela donne en effet l’impression que chaque moment a été discuté au préalable, et longuement débattu. Mais par exemple, dans « Feeling Fades », la fin semble incontrôlable, et c’est aussi notre but que de faire ressentir à l’auditeur du chaos et de la destruction à travers notre musique.

 

J’ai comme l’impression d’ailleurs que toutes vos chansons s’enchaînent parfaitement et se répondent entre elles. Il y a une colonne vertébrale très solide sur ce projet, que le travail en groupe a probablement favorisé.

            Gabriel : Je suis très content que tu ressentes cela car c’est de cette manière que le projet a été pensé. Ce projet était la plus importante des choses pour nous tous et nous a demandés beaucoup d’efforts. Ce thème de la peur et de l’angoisse qui donne titre à notre album a très vite permis de faire le tri entre ce qu’on a gardé et ce qu’on a mis de côté. A la fin, nous écrivions, non pas vraiment pour l’album, mais davantage en fonction de ce que l’album demandait.

 

C’était pour vous évident l’ordre des chansons ? Que l’album commence par « For Eeverything », un impressionnant départ en tambour qui, je le pense, se trouve être une parfaite définition de vous et de votre musique, en quelque sorte votre chef-d’œuvre, pour se clôturer avec « Love Love Love » qui introduit une note d’espoir après des émotions noires et angoissantes lié à tout le reste de l’album.

Gabriel : Merci pour « For Everything ». Et oui, l’ordre des morceaux a été étudié. Nous n’avons rien fait au hasard.

 

C’était important de terminer avec cette touche d’amour ?

Cathal : Je crois que la douleur provient aussi de l’amour. Quand on parle de douleur, on parle de l’amour des gens disparus, c’est important de se rappeler de cela. « Love Love Love » est donc la suite logique des autres morceaux.

Gabriel : En tant que personnes, nous ne sommes pas tout le temps énervés et remontés contre le monde mais nous ne sommes pas non plus tout le temps vulnérables et fragiles. Avoir un album qui reflétait ce mélange de sentiments et d’émotions était important. On n’est jamais une seule chose à la fois.

 

Il y a en effet un vrai mélange entre des chansons relativement puissantes, agressives et des chansons beaucoup plus douces, comme « On Twisted Ground » ou « How The Streets Adore Me Now ». Ce mélange était essentiel au projet ?

            Cathal : Oui, on dit souvent que l’album est très cinématique. Il devait refléter plusieurs niveaux d’émotions différents.

Gabriel : En tant qu’humains, nous apprécions les histoires, et c’est un peu l’idée de ce projet. Comme si nous avions voulu écrire une pièce ou un livre. Une œuvre doit te faire passer par différentes émotions. Par exemple, après un épisode dramatique, tu as besoin d’un moment de soulagement. Une histoire complète permet de créer un impact. L’album a été composé à partir d’une telle motivation.

 

Il y a des artistes qui font cela à proprement parler, en racontant une seule et même histoire sur tout le long de l’album, comme Lou Reed avec « Berlin » par exemple.

            Cathal : Oh oui, c’est brillant.

 

Eventuellement pour le prochain album ?

            Gabriel : Peut-être, qui sait !

Cathal : Je crois que beaucoup d’albums se rapprochent de cette conception, et notre album en fait partie. Je crois même que l’on peut le désigner comme un « concept album », car nous avions le titre du projet avant même de commencer à composer et toute l’écriture s’est faite autour de ce titre, un peu dans le même esprit que « Wish You Were Here » de Pink Floyd, qui a des tonalités très sombres à côté de moments lumineux.

 

Et qui vous influence le plus dans le monde de la musique ?

Gabriel : Les artistes que nous apprécions le plus n’affectent pas tellement la musique que nous faisons. Mais ceux qui m’inspirent en ce moment sont The War on Drugs et The Blaze. Ces artistes sont ceux qui me donnent envie de faire de l’art, mais ne sont pas forcément représentatifs de l’art que je veux créer, et que nous créons avec The Murder Capital.

Cathal : J’aime beaucoup Björk, Scott Walker… En ce moment, j’écoute plutôt John Cage. J’aime bien m’aventurer dans les univers de ces personnes-là.

 

J’ai lu que vous étiez influencés par des artistes comme Nick Cave ou Joy Division. Est-ce le cas ? Vous les écoutez beaucoup ?

Cathal : Oui évidemment, Nick Cave est un excellent compositeur, c’est indéniable.

Gabriel : Je crois que c’est là où il peut y avoir confusion. Je veux dire, évidemment que l’on adore Joy Division, mais il ne faut pas croire que l’on veut être Joy Division. On ne veut être personne d’autre que The Murder Capital.

 

Evidemment, vous aimez écoutez mais votre objectif n’est pas de faire pareil…

Gabriel : Exactement, et cela s’applique à tous les artistes que nous avons pu apprécions.

 

Votre pochette d’album est très forte visuellement, elle est une bonne porte d’entrée à l’album. Pouvez-vous nous dire ce que cette photo symbolise ?

Cathal : Cette photo symbolise la notion de cohésion et de communauté face à un évènement chaotique.

Gabriel : Elle représente en réalité des réfugiés piégés dans une tempête de sable durant les années 90 en Jordanie. Nous n’avons jamais vécu ou expérimenté une telle situation traumatique, mais ce qu’elle représente pour nous est le sens de l’humanité, avec la possibilité et l’espoir de s’en sortir grâce à l’entraide, et de survivre aux malheurs du temps et de la vie. Même si c’est un moment de chaos, j’y perçois de la paix. Les figures sont blotties l’une contre l’autre dans un moment de soutien. J’aime l’idée que « When I Have Fears » soit un endroit où l’on puisse aller afin de contempler toutes les émotions que l’on ressent quand on a peur.

 

J’ai lu que vous vouliez parler de la psyché humaine dans l’album. Comment la décririez-vous ? Qu’est-elle pour vous ?

            Cathal : C’est en quelque sorte la garantie de ce qu’un humain va expérimenter dans sa vie. Tout le monde est rattaché à cela. C’est l’expérience humaine, par exemple aimer quelqu’un et perdre quelqu’un. Presque tout le monde est passé ou va un jour passer par là. C’est à ce genre de connections auxquelles l’on a pensé en écrivant l’album.

Gabriel : L’album est une réflexion de la manière dont on a pour l’instant expérimenté nos propres vies en tant que jeunes garçons irlandais d’une vingtaine d’années. Mais ce qui ressort de cela est, je crois, des expériences que la plupart connaissent, même si on ne peut pas parler pour d’autres personnes que nous-mêmes.

 

Vos clips sont très organiques, et montrent des âmes torturées. Par exemple « Green and Blue » et « More Is Less ». Qui les ont réalisés ?

            Gabriel : En ce qui concerne « Green and Blue », ce sont deux jeunes étudiants londoniens : Tom Gullan et Ethan Barret. Ce sont deux gars du même âge que nous et qui ont une vision de l’art proche de la nôtre. Nous étions très honorés de les rencontrer.

Cathal : Oui, ce sont des personnes très intéressantes. Ils nous ont sortis de notre univers, ce qui fut positif.

Gabriel : Quand on a bossé avec eux, on voyait que rien d’autre n’était plus important que le clip au moment où on était en train de le créer. C’était magnifique à voir car on procède exactement pareil quand on fait de la musique. Pour ce qui est de « More Is Less », Sam Taylor l’a réalisé. C’est le plus récent de nos clips et il nous a fait sortir d’un certain confort que l’on avait sur les anciennes vidéos. C’était très intéressant aussi.

 

Vous aimez poser des images visuelles sur votre musique ?

            Cathal : Oui même quand on écrit, on aime décrire les choses. On est très axés sur le visuel. Je crois que si on était davantage familiers au matériel vidéo, on aurait beaucoup aimé créer nous-mêmes certains clips.

Gabriel : L’une des choses les plus excitantes que j’ai ressenti en faisant parti de Murder Capital, c’est de développer nos propres compétences liées au jeu d’acteur et à la maitrise de la caméra. On a tous commencé la musique par passion d’enfance mais on était aussi complètement amoureux de cinéma et on avait jamais vraiment eu l’occasion d’apprendre comment les techniques liées à ce que nous voulions montrer. C’est la raison pour laquelle travailler avec des réalisateurs est si excitante, cela nous permet aussi d’apprendre.

 

Merci les gars, c’est tout pous nous !

            Les deux : Merci !

 

Vous pourrez retrouver le groupe au Café de la danse en février prochain. En attendant, leur album « When I Have Fears » est disponible partout, alors n’hésitez pas à aller y jeter un coup d’oreille.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A peine l’année 2019 avait-elle débuté que tomba l’heureuse nouvelle : Patti Smith de retour dans la capitale à la fin de l’été ! Ce n’est pas tous les jours que nos idoles (encore vivantes) viennent nous dire bonjour. Et autant dire que c’est le genre de bonjour qu’il est bête de manquer. Ni une ni deux, ma place était prise.

Huit mois me séparait du Jour J. Pour patienter, je n’avais plus qu’à écouter en boucle ses albums monstres, gravés à jamais dans l’histoire : Horses et Easter. Quel plaisir se fut. Radio Ethiopia, Wave ou encore Twelve, son album de reprise sorti plus récemment (mais il y a tout de même déjà plus de 10 ans !), sans être aussi puissants que les deux albums précédemment cités, n’ont pas pour autant été abandonnés à l’écoute. Il fallait être prêt pour le concert.

Puis, au retour des vacances, il était enfin temps. Les albums allaient prendre vie.

Un départ fort en émotion

   Lundi 26 août. Le rendez-vous est à l’Olympia. Salle mythique parisienne pour une chanteuse encore plus mythique. Pas d’apéritif, le concert commence sans première partie. Cela aurait enlevé le côté divin de l’évènement. A 19h se forme déjà une foule devant la scène. Encore une heure et demi d’attente. Quand 20h30 sonne, Patti Smith arrive sur scène sous un tonnerre d’applaudissements. Quelques saluts de la main en signe de bonjour, et un grand sourire. Elle semble contente d’être ici. C’est une reine que le public vénère. S’il pouvait se mettre à genoux, il le ferait. Comme une statue, son aura continue de faire autant d’effet.

Elle fait signe à son groupe de démarrer et voilà que retentit déjà son hymne : People Have the Power. Les premières paroles me font comprendre que sa voix n’a pas perdu grand-chose : toujours aussi envoutante et combattive. Dieu merci, le micro est bien réglé ! Pas le droit à l’erreur avec des voix comme celle-ci. Voilà qui arrive le refrain, où tout le monde en profite pour porter son combat dans un moment d’euphorie. Le peuple a le pouvoir, et la foule nous le fait bien comprendre. Cet instant est tellement intense et honnête que je m’en trouve retourné. L’engouement que l’artiste a su créer en quelques secondes ne connait d’équivalent nulle part ailleurs. L’émotion est décuplée, et la joie de participer à cela me submerge. Je sens que je pourrais pleurer à tout moment, car il est très rare de se sentir aussi fort, presque invincible, dû à l’excitation qui nous entoure, au discours de la musique, et à la force abrupte d’une présence solide et convoitée. Un début de concert comme celui-ci forge les goûts et les attentes pour plus tard, autant qu’il répond de la plus belle des manières à une demande que le public se doit de faire à l’artiste lors de prestations live : donner du partage et de la conviction. People Have the Power a su révéler quelque chose enfoui profondément en moi, qui est le profond amour du rock, l’un des rares genres capables d’atteindre des sommets. Cette soirée, j’ai vécu quelque chose d’extraordinaire, et il m’est quasi impossible de retranscrire cette extase à l’écrit, sinon parler d’une impressionnante intensité, ce qui n’est pas suffisant pour qualifier la grandeur de ce que Patti nous a offert. Je ne m’embêterais donc pas à faire un compte rendu des chansons qu’elle a joué, car la puissance se dissimulait dans l’atmosphère ce soir-là, mais j’aimerais plutôt vous parler d’elle.

 

Patti Smith 2019

 

Le voyage fascinant d’une rockeuse engagée

   Patti est venue, a joué, nous a envoutés, et ne nous a pas vaincus. Non, elle nous a emmenés quelque part ailleurs, sans jamais monter sur une marche plus haute que la nôtre. Son royaume n’a pas d’étage, même s’il est composé des meilleurs : Jimi Hendrix, Neil Young, Lou Reed, Bob Dylan, Sky (and the Family Stone)… Evidemment. Ce n’était pas une surprise, encore moins un étonnement. Elle porte le rock au plus profond d’elle. Elle est la porte d’entrée vers le splendide, et parvient à unir le public autant que son être scintille.

Elle rend hommage à ses amis, avec des chansons comme Are you experienced? ou After the Gold Rush, dans de sublimes versions que sa voix ne cesse de porter vers le haut. « Look at Mother Nature ». Neil Young lui permet de défendre ce qui lui tient le plus à cœur, à savoir Mère Nature. En tant que grande activiste, Patti Smith ne cesse de se battre pour protéger la planète de toutes les ordures qui la parsème (et autant dire qu’il y en a beaucoup), aussi bien matérielles qu’humaines. Car oui, elle nous le rappelle, ce n’est pas facile de se lever tous les jours avec un déchet à la présidence de son pays. Par maladresse probablement, et sûrement un peu d’ignorance, elle nous dit envier notre président qui lui, se soucierait apparemment de l’environnement. Autant dire que ce n’est pas vraiment le cas et qu’elle fait fausse route en avançant de pareilles choses, car moins pire ne veut pas dire meilleur, mais on lui excusera rapidement cette boulette qui, somme toute, ne change rien à son combat ni à sa personne, probablement mal ou trop peu informée sur le programme et les directives de notre gouvernement actuel et… on la comprend. Qui en a quelque chose à foutre de tous ces guignols en réalité ? Si les politiques pouvaient changer le monde, on le saurait déjà…

Le rock, lui, a le pouvoir de la portée symbolique. Il crée sa propre politique, et n’a nullement besoin de tous les hypocrites en costard pour prouver sa valeur et sa détermination. Le rock est un combat à lui seul, éloigné des mirages et des tromperies, prônant un monde ouvert, sans barrières, où tout découle du partage et du respect de l’environnement. Voilà les valeurs maîtresses. On construit le monde autour de cela. Point barre. Le rock est et ne peut-être que de gauche. Un groupe de droite ne fait pas du rock, il fait de la pisse… Patti Smith est une évidence pour cela. Patti Smith est grande. Patti Smith est un modèle. Ses concerts sont un moment de vie. Sa musique est une ode à la beauté et à la bienveillance.

 

   Vive le rock. Vive Gloria. Vive la nature. Vive le peuple.