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Grandma's Ashes - Radish Cure
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Grandma’s Ashes traite l’addiction avec sa « Radish Cure » dans son dernier clip

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Grandma's Ashes - Daddy Issues
Photo : Angela Dufin

Avec leur premier EP « The Fates »  sorti en janvier 2021, les Grandma’s Ashes ont déjà de belles choses à proposer.  Pour continuer à emmener leur public dans leur univers à la fois stoner, goth et absurde, elles dévoilent le clip de « Radish Cure » le deuxième titre de l’EP à avoir droit à sa vidéo.

 

 

Ceux qui ont eu la bonne idée d’acheter le vinyle du groupe ont pu découvrir la recette magique de cette cure de radis glissée dans la pochette. Pour les autres il faudra se contenter de l’atmosphère si particulière de ce clip déroutant. Dès le début, le décors est planté : boule à facettes, corps allongé sur un canapé, ballon à la « Ça » de Stephen King et des radis un peu partout. Mais quelle est donc cette obsession du trio pour le radis ? L’intro du morceau se colle parfaitement à l’image. Basse, guitare et batterie semblent jouer chacune de leur côté des sons expérimentaux semblables à une sorte d’échauffement.

À l’instant où le corps allongé commence à se réveiller, la mélancolique voix d’Éva vient se poser sur la musique. Alors que l’homme reprend ses esprits, chaque ingrédient du morceau s’accorde enfin pour lancer pleinement « Radish Cure ». Dans ce titre, il est seulement mardi et pourtant la gueule de bois se fait déjà ressentir, le réveil est difficile mais le rythme du morceau, assez lent, s’adapte bien à ce mood. Dès qu’il se met debout, l’homme cherche à retrouver ses esprits, il explore l’environnement qui l’entoure, essaye de comprendre ce qu’il s’est passé. Le sol est jonché de radis et il les inspecte tel un enquêteur afin de résoudre la situation mystérieuse dans laquelle il se trouve.

C’est alors que tels des démons, les trois Grandma’s Ashes se mettent à lui scander/chanter au visage « Radish Cure is for the weak ». À partir de ce moment le morceau s’emballe, tout va beaucoup plus vite, et le clip n’est plus uniquement centré sur l’homme, mais aussi sur ses démons : les Grandma’s Ashes.

Le trio emmène alors l’homme et le spectateur dans une descente aux enfers guidée par la musique et l’image. Dans un calme déconcertant, la bande accompagne cet homme fuyant ses démons à un rythme effréné par des riffs percutants. Mais cette fuite semble veine et la situation à laquelle l’homme tente d’échapper s’avère éternelle, un peu comme les paroles de cette chanson qui résonnent encore dans les tête bien après que le morceau soit fini.

Avec ce titre clipé, les Grandma’s Ashes montrent beaucoup de choses, mais il ne faut pas se tromper. Ici, ça ne parle pas gueule de bois ou bien de remède de grand-mère, le groupe de rock stoner s’exprime plutôt sur l’addiction et la difficulté d’en sortir. Le tout est savamment orchestré dans ce titre très bien maitrisé musicalement. L’écoute de « Radish Cure » n’est pas de tout repos mais elle en vaut la chandelle.

 

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Alice Animal
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Alice Animal : guitares à fleur de peau pour « Tandem » son nouvel opus

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Alice Animal
Crédit Yann Orhan

Après un premier album « Théogonie » sorti en 2017, Alice Animal revenait en force et en rock le 28 mai 2021 avec un nouvel opus « Tandem » qui joue avec les codes de la pop française et du rock pour un résultat électrique.

« Tandem » c’est aussi le titre du premier morceau de l’album . Pas de temps à perdre pour Alice Animal qui envoie ses guitares déchaînées dès les premières notes du morceau. Sa voix puissante s’additionne à une guitare énergique. Aussi structuré que déstructuré, comme tout bon titre à l’esprit rock, cette entrée en matière annonce un album sincère, vif et sans concession. Difficile de ne pas penser à Zazie sur le refrain dans la phraséologie comme dans l’arrangement musical. Tout comme l’icône française, notre chanteuse féline calibre un titre accrocheur qui entre facilement en tête.

« Finir à L.A » vous en rêvez ? La chanteuse aussi. La cité des anges inspire de nombreux titres Outre-Atlantique mais aussi de notre côté de l’Océan. Entre soleil, gloire et misère, la chanteuse dépeint un tableau complet du rêve américain qui nous a été transmis malgré la distance – la faute peut-être à une culture sur référencée qui s’est glissée dans nos cerveaux dès le plus jeune âge par le biais d’écrans déjà omniprésents. Toujours est-il que le titre lui, est aussi pressé que les habitants de la ville qu’il décrit, les riffs précis s’enchaînent, s’additionnent comme une répétition, se font rapides et s’appuient sur une basse calibrée. Si à Los Angeles, les paradis artificiels sont réputés comme nombreux, ce sont « Tes Eléphants roses » que nous invite à découvrir la musicienne pour poursuivre la route. Ce morceau marque un véritable tournant dans l’album alors que la mélodie ralentit et que la guitare se décline avec douceur comme une confidence. Il faut dire qu’Alice Animal cette fois dénonce une relation toxique demandant au passage de ne plus être la victime d’un amour qui détruit. A fleur de peau, la belle s’offre même à 2 minutes 50 une aparté parlée qui évoque noirceur et profondeur et tranche clairement avec les couleurs vives qui habitaient jusque là les titres – et la pochette rose de l’album.

A fleur de peau

« Mauvais garçon » marque un retour tonitruant à un rock plus pop. Entre instruments clairement énervés et riffs dansant, le morceau s’offre une belle dualité qui fait joliment écho à ses paroles. Le refrain et ses montées dans les aigus invitent  au lâché prise et l’envie aussi irrépressible que viscérale d’assister à un concert, de faire des pogos, de vivre dans l’instant.  « Mon or » s’habille de références et de riffs à l’espagnol alors que la guitare suave reprend cette capacité à évoquer les douleurs amoureuses tout en invitant à la danse. Les français ont ce don naturel du texte pour parler des sentiments. La palette émotionnelle, le vocabulaire sont autant d’outils utilisés à l’infini dans la chanson pour parler de la perte amoureuse. Comme la tradition le veut, Alice Animal s’approprie la beauté de notre langue et en parle celle de ses instruments entre profondeur et teinte froide pour habiller ce texte intime et imagé.

La musique française a connu beaucoup de courants, tout comme cet album puisque cette fois « On est barock ». Rock toujours en tout cas, alors que le rythme répétitif se casse en vagues à mesure que le titre progresse.  Construit en couches, le titre change régulièrement de ton avec maîtrise. La chanteuse y évoque en paroles « l’ombre et la lumière » tout comme en mélodie. Tantôt énergique, tantôt à coup de paroles scandées, la musicienne n’a pas froid aux yeux et compose un morceau qui se réinvente avec régularité.

Kent se dévoile

« On n’a qu’une vie » clôture l’album en une déclinaison entre pop et chanson. Aidée à la voix par Kent qui se fait l’écho grave du texte qu’il a composé. Les compère s’étaient rencontrés au Café de la Danse en 2017 alors qu’ils partageaient une scène le temps d’une reprise de « Scary Monsters » de David Bowie. Leur alliance fait des étincelles dans une ballade qui ne perd jamais de vue les sonorités puissantes du rock. Très différent du reste de cette galette, ce dernier jet permet de quitter l’univers sauvage d’Alice Animal avec douceur. « On a qu’une vie pour tenir toutes les promesses et pardonner les maladresses » rappellent les compères avec douceur, mélancolie et notes aériennes. Voilà qui illustre bien cet album entier, construit, sincère et prometteur pour une chanteuse survoltée. Les maladresses de l’opus sont ainsi facilement oubliées au crédit d’un esprit rock, d’une puissance vocale digne des plus grandes stars de la chanson française et d’un amour sincère des instruments. A l’écoute de ce nouveau jet, impossible de ne pas penser que la musique d’Alice Animal mérite d’être vécue en live. Sa fougue promet d’être hautement contagieuse. Un grain de folie qu’on espère tous attraper, sans masque ni barrières, avant la fin de l’année 2021.

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We Hate you please die
Musique

« Can’t Wait To Be Fine » : le cri du coeur de We Hate You Please Die

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We Hate You Please Die - Can't Wait To Be Fine
We Hate You Please Die – Can’t Wait To Be Fine

La bonne nouvelle du jour vient de Normandie et c’est We Hate You Please Die qui l’apporte avec le clip de « Can’t Wait To Be fine ». Le tout nouveau single du groupe, annonciateur d’un deuxième album pour le 18 juin.

C’est un titre résolument rock que nous propose ici le quatuor. Il est accompagné d’un clip engagé qui raisonne avec la période actuelle où le groupe y fait part de son ras le bol, son envie d’aller mieux, son envie de temps meilleurs.

Ce morceau est incroyablement bien construit autour de moments calmes et de déferlantes d’énergie. C’est d’ailleurs sur un bon rythme que la musique commence accompagnée de la vidéo réalisée par Gaëlle Manach. La bande danse au milieu d’un cercle lumineux et au son d’un trio guitare, basse, batterie très entrainant. Puis la voix grave de Raphaël entre en scène pour lancer complètement ce morceau. Tout d’un coup tout se calme, le temps semble suspendu comme si le groupe prenait sa respiration avant de repartir de plus belle sur un rythme effréné. Ce schéma, la formation va le répéter pendant tout « Can’t Wait to Be Fine », et c’est l’ingrédient qui fait que l’on ne va pas voir le temps passer sur ce titre de 6 minutes.

 

 Une énergie communicative

We Hate you please die
crédits: Lucie Marmiesse

Chaque passage plus calme est une montée en puissance vers une éruption d’énergie terriblement communicative. Le contraste entre le début du clip et la fin est frappant. Au commencement, bien que le groupe soit ensemble en train de danser ou bien allongé, il semble y avoir un manque, une certaine lassitude à l’image du chanteur sur son vélo d’appartement.  Chaque membre du groupe parait déconnecté, voir presque seul, en tout cas un mal-être se ressent.

C’est au bout de plus de deux minutes qu’un changement commence à arriver, il s’installe crescendo au rythme de la musique, chacun commence à se libérer petit à petit, puis c’est l’explosion. Sur ce parking, toute l’énergie retenue sort d’un coup à la manière d’un exutoire.

Une revendication si simple de vouloir aller bien, mais pourtant si importante et rare en cette période

Tout se mélange, les instruments, les voix, les gens. Ce titre prend un tournant de révolte et les paroles une revendication que l’on a envie de scander avec les rockeurs normands. Une revendication si simple de vouloir aller bien, mais pourtant si importante et rare en cette période.« Can’t wait to be fine » se termine sur un cri de rage et de soulagement, avec l’impression d’avoir dit ce que l’on avait sur le cœur. Ça y est on peut aller bien, profiter du temps, de ses amis, de se rassembler à l’image des dernières secondes de la vidéo.

Avec ce nouveau titre We Hate You Please Die frappe fort et montre que l’on peut s’attendre au meilleur pour ce nouvel album à paraître. « Can’t Wait To Be Fine » est une explosion d’énergie et fait le plus grand bien en ce moment. La formation normande maîtrise à la perfection l’architecture de son single et nous emmène faire un tour de montagne russe bien trop court mais particulièrement bon.

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Musique

3 sorties musicales à ne pas manquer en ce début d’année 2021

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Brisa roché et fred fortuny
Photographie © Christophe Crenel

Si 2021 part avec les mêmes difficultés que 2020, la lassitude en plus, le Monde de la musique continue lui de tourner. Au ralentis en ce qui concerne le live, mais à toute allure, en ce qui concerne les compositions. En ce début d’année, trois sorties musicales sortent du lot et promettent leurs doses d’émotions fortes. On vous raconte.

Whico Skyla : tourbillon rock

Groupe parisien formé en 2016, Whico Skyla revenait planter sa graine rock en décembre 2020. Au programme un second EP « Seeds are back » à l’énergie communicative et aux guitares endiablées entre maîtrise de ses références et laissé aller survolté. Impossible de ne pas le répéter : les temps sont dures pour les artistes indépendants. Crise du Covid vous dites ? Aussi mais pas seulement, puisqu’il leur est aujourd’hui extrêmement difficile de se rémunérer convenablement grâce à leurs créations. En cause, les plateformes de streaming et les tous petits revenus proposés aux jeunes artistes (pourtant talentueux) qui y sont présents. Par conviction, pour prouver que c’est possible, pour récolter les premiers fruits de leur travail, les musicien de Whico Skyla ont donc choisi de proposer dans un premier temps leur nouvelle galette uniquement sur leur site et ce bien avant de l’ouvrir aux géants du streaming, aujourd’hui figures inéluctables  pour (sur)vivre dans le milieu. L’EP devrait pourtant pouvoir se passer de ces énormes compagnies tant la qualité est au rendez-vous et l’âme folle du rock underground qui n’a besoin que d’un grain de folie et de bouche à oreille pour devenir culte. La formation menée par Alex Dusii (guitare chant), Florian Mensah (batterie) et Nicolas Moge (basse) s’offre une belle promenade dans les contrées lointaines du rock en 5 titres, n’hésitant pas à explorer sur chaque piste une nouvelle approche de ses classiques. Une intro sombre au jeu de basse profond laisse pressentir un univers technique, le premier titre « Fast Club » change pourtant de donne avec une introduction à 100 à l’heure, un chant  punk 80’s et un refrain accrocheur, passionnel et énergique. La maîtrise des instruments est là, évidente et pourtant c’est le grain de folie, l’ascension des notes qui gagne l’oreille et occupe le terrain. « Fearless » fait la part belle à la batterie, gardant l’énergie du précédent morceau, touchant au rock alternatif, s’appuyant sur un gimmick  à la guitare pour mieux entraîner son auditeur dans un tourbillon où la décontraction devient géométrique. L’âme d’Arctic Monkeys plane clairement sur ce titre. Cour de punk 101, permettant de rassembler passionnés et débutants, cette entrée en matière sent bon les pogos et la bière qui nous manquent aujourd’hui tant. « Twisting Road » permet de faire une pause sur fond de ballade rock et de voyager à travers les époques. C’est « Reaching for the stars (my face on the ground) » qui conclut la galette en un tourbillon lumineux et dansant où le rock se déguste avec une Pina Colada. L’âge d’or du rock revient, la France fera partie de ses précurseurs.

ODGE : mélancolie galvanisante

Difficile de ne pas immédiatement s’éprendre de l’univers d’ODGE.  Avec une voix passant avec aisance du grave à l’aigu flirtant parfois avec l’androgynie, la musicienne n’est pas sans rappeler le talent d’Imogen Heap.  Il faut dire qu’Eléonore Du Bois de son vrai nom a appris le chant à la maîtrise de Radio France dès ses 11 ans. Depuis elle a acquis un CV des plus impressionnants : composition de musiques de films (Nos enfants Chéris, Les Acteurs Anonymes) et tournées en tant que claviériste et choriste (Gaël Faure, Jo Dahan), elle assoie sa réputation. L’envie de se lancer en solo lui permet de créer ODGE. Diminutif du nom du chien de la famille : Roger. Seule, elle sort un titre magistral « Sad Love Song » une pop sombre et mélancolique teintée d’électro et surtout d’émotions vibrantes. Il y a là la grâce de composition toute en retenue qui était propre à la l’excellente de Fiona Walden dans ce premier titre. La musicienne excelle à appeler l’oreille sans jamais choisir la facilité, ritournelle bien construite s’ajoute à une puissance vocale et une faculté à construire un récit en musique. Celui de la fin d’une histoire d’amour vécue comme un deuil. Celui-là même raconté en image par une série de souvenir qui défilent comme dans les tous derniers instants d’une vie. Certains morceaux peuvent briser des coeurs pour notre plus grand plaisir. « Sad Song Love » fait définitivement partie de ceux-là.

Brisa Roché et Fred Fortuny : madeleine de l’oncle sam

Brisa Roché c’est LA voix de la musique américaine en France. Multi-casquettes elle chante, compose, écrit et peint. Découverte dans le jazz mais ayant depuis brillé dans la folk, la pop ou encore l’électro pop arty, la voilà de retour aux côtés de Fred Fortuny. Ce dernier rêvait de longue date de faire un album « américain » où mélodies et naturel se convoitaient. Voilà chose faite avec une pépite solaire écrite en duo : « Freeze where you U R ». C’est bien un road trip musical que propose la galette à travers des compositions lumineuses aux mélodies candides où la naïveté semble donner des ailes. Pour autant voix angélique et instruments travaillés rappellent avec beauté la précisions des grands musiciens qui l’ont composés. De la comptine rétro 50’s (« Tempted Tune ») à l’hymne galvanisant (« I Don’t want a man ») en passant par l’essaie artistique (« I Love You ») ou encore la ballade easy listening à la sauce 50’s, le duo ne se refuse rien en terme de créativité. L’âge d’or de l’Amérique illumine ses titres hors du temps qui conjuguent au passé et au présent dans la même phrase. Point de nostalgie piquante pour autant. Non ici tout n’est que calme et volupté. L’échos des voix appelle au calme et au bien-être (« The Pattern ») jusqu’à l’euphorie de la profusion pop des années 70’s Outre-Atlantique (« Window gun »). C’est d’ailleurs sur un touche de douceur portée presque uniquement par une voix candide (« Quite Clean ») que se conclut cette parenthèse onirique. Une bouffée d’oxygène dont nous aurions tord de nous priver.

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